Conexión Oscar 2018: Festival de Toronto (V): “La batalla de los sexos”, “La forma del agua”, “Una razón para vivir”, “El instante más oscuro” y “El reverendo”

Querido Teo:

Prosigue el festival y se van sucediendo una tras otra películas a cada cual más atrayente y destacada. Hemos podido ver la divertida y tenística “La batalla de los sexos”, la nueva cumbre fabulada y lirista de Guillermo del Toro en “La forma del agua”, la clásica y emotiva “Una razón para vivir”, el recital de Gary Oldman como Churchill en “El instante más oscuro” y lo nuevo de Paul Schrader llamado “El reverendo”.

Jonathan Dayton y Valerie Faris siguen confirmando con “La batalla de los sexos” que tienen tomada la medida al público con una película de ritmo endiablado desde el punto de vista dialéctico y que coge un hecho real para arrojar un mensaje reivindicativo, todavía en vigencia, y con un punto emocional que termina entrando muy bien al espectador. La película es una comedia deportiva y reivindicativa que adapta la historia real del partido de tenis en el que se enfrentaron la jugadora número 1 en 1973, Billie Jean King, y el ex campeón Bobby Riggs. Un hecho que sirvió para que se avivara el debate sobre el distinto rasero con el que se valora a las mujeres y a los hombres. Y es que a día de hoy todavía en el mundo deportivo, como reflejo del resto de ámbitos de la vida, hombres y mujeres compiten por separado, y eso es un argumento que más de cuatro décadas después sigue de plena vigencia y termina siendo la principal baza con la que juega una cinta frenética con diálogos chispeantes que potencian la preparación de esa competición que se erige como empeño del excéntrico Bobby Riggs que no se resigna a que su tiempo haya pasado ya enfocando este partido casi como una exhibición de circo en la que, con cierta socarronería, se ve como claro ganador a priori.

La cinta entra dentro de la catalogación de “crowd pleaser” y a término de calidad sólo se queda un peldaño por debajo de la celebrada “Pequeña Miss Sunshine”, que llegó a una vitola de fenómeno que no tendrá esta ocasión aunque sí que funcionará muy bien con el público. Un guión refrescante e ingenioso, y una ambientación que clava muy bien el espíritu de la época en la que el movimiento hippy y los nuevos aires de libertad inundaban todo, son elevados por unos actores que están estupendos en sus papeles destacando a Emma Stone y Steve Carell que brillan cada uno en sus papeles. Stone con esa luz propia que logra irradiar a cada personaje que interpreta, sea de la época que sea y del registro que adopte, y un Steve Carell que repite con el matrimonio de directores en un papel que, a pesar de su punto vividor y petulante, el actor termina humanizando y que bien podría hacerle ser uno de los favoritos en la imprevisible carrera al Oscar de mejor actor de reparto. A destacar también a una Sarah Silverman especialmente chispeante.

“La forma del agua” ha llegado a Toronto como la película que le ha brindado el León de Oro a Guillermo del Toro por lo que la expectación era máxima y más de una desbandada ha habido de las otras salas a la hora del inicio del pase de la película. Había que confesar que la irregular carrera del mexicano (aunque haya que reivindicar su reciente “La cumbre escarlata”) y su vuelta al universo de criaturas de anfibios y faunos hacía peligrar el interés por la cinta sobre todo si el director tendía a repetirse a sí mismo. Nada más lejos de la realidad. Del Toro ha construido quizás su película más redonda llevando a un paso más todos los terrenos que exploró en “El laberinto del fauno”; tanto los sobrenaturales como los emotivos. Estamos ante una fábula sentida y nostálgica con humor, romance y guerra fría. Una mezcla explosiva que bien podría desbarrar pero que debido a su impecable puesta en escena nos remite a un lugar inconcreto pero que, estando ambientado en los años de la Guerra Fría, tiene un aire atemporal que nos evoca tanto a un entorno victoriano como contemporáneo en la historia de esta conserje muda e inadaptada, que recuerda a la Amélie Poulain de la película de Jeunet evocando también  a otras cintas como “La mujer y el monstruo”, “La bella y la bestia”, e incluso a películas musicales clásicas a las que rememora debido a la pasión de dos de sus personajes por las mismas.

Una dirección exquisita que cuida los detalles al máximo y que, partiendo de la historia de una chica inadaptada, pasa por una fábula e incluso se atreve a denunciar la precariedad del sistema laboral y meter una secundaria pero intrigante historia de espionaje en esos años de una USA que veían comunistas hasta debajo de la alfombra. A ello contribuye un reparto en estado de gracia con una Sally Hawkins mayúscula que demuestra que no necesita de palabras para transmitir una gama de emociones que van del desvalimiento a la picardía y que sólo están al alcance de las más grandes incluso homenajeando a las actrices del cine mudo. Lo mismo se puede decir de Richard Jenkins y Octavia Spencer, principales aliados de la protagonista, y que están más brillantes de lo que en ellos ya de por sí es habitual siendo merecedores de contar por ello en las próximas nominaciones al Oscar. En el reparto también Michael Shannon, recordando mucho a su papel de “Boardwalk Empire”, y un Michael Stuhlbarg que siempre está ahí y que demuestra película a película lo buen actor que es. Habrá que ver si “La forma del agua” supera los prejuicios del género a la hora de ser tenida en cuenta a nivel de premios pero parece que estamos ante la película con la que Guillermo del Toro, después de una carrera vacilante y más centrado en la producción, da el salto que ya dieron anteriormente sus colegas Iñarritu y Cuarón a nivel de industria de Hollywood. Una película tan deliciosa como perfecta en todas sus facetas en la que, a pesar del tono habitual que utiliza el director bordeando incluso lo excéntrico y lo gore, algo de lo que no es ajena esta cinta, se maneja en una armonía en la que todo encaja como la más perfecta de las sinfonías. Y es que hablando de música lo que ha hecho Alexandre Desplat es una de las joyas de su ya sobresaliente carrera.

"Una razón para vivir" es el debut de Andy Serkis tras dejar su huella en el cine en el campo (más valorado por el público que por la crítica y la industria) de la captura en movimiento. Con su recién estrenada productora, esta cinta es su primer trabajo detrás de las cámaras tras participar como director de segunda unidad en algunos trabajos de Peter Jackson. Ahora ofrece un drama elegante y sensible, que no lacrimógeno, adaptando la historia real de un joven aventurero que quedará paralizado por la polio en un viaje a Kenia, cosa que no le impedirá seguir con su espíritu de recorrer el mundo junto a su familia y continuar viviendo experiencias contagiando optimismo a todos los que aparecen a su paso.

Las posibilidades de la película dependerán de cómo la trate la crítica que bien puede destacar ese aspecto de bonhomía y esperanza frente a la adversidad, ya que no se mete en terrenos de dramas y llantos, y terminar empatizando con ella, o bien destrozarla por ese tono naif y demasiado almibarado en la relación entre los personajes que se vuelcan para que el protagonista no pierda ni un momento la sonrisa. Andrew Garfield se luce tanto en el aspecto carismático y encantador del joven como en su evolución de la enfermedad; a través de la degradación que se nota tanto en su aspecto físico como en la voz. Mucho más discreto el resto del reparto que cumplen funcionalmente como es el caso de Claire Foy, en el habitual mujer sufrida y sacrificada, Hugh Bonneville o Tom Hollander en un doble papel. La cinta no puede ser más honesta en lo que es y no es otra cosa que demostrar el ánimo y el espíritu de lucha de un hombre ante la adversidad de una manera vitalista y emocional.

"El instante más oscuro" supone la reconciliación con Joe Wright después de algunas películas fallidas que no han estado a la altura de las que ofreció en sus inicios. Volviendo al cine de época se adentra en uno de los episodios más relevantes tanto de la política británica como de la mundial con la actuación de Winston Churchill tanto para salvar a las tropas británicas atrapadas en Dunkerque como de elevar la moral del pueblo en unos años que se presentaban inciertos y desoladores ante el desarrollo de la II Guerra Mundial. Hay que destacar la meticulosa y medida planificación en escena y como la película tiene la habilidad de, sin aburrir ni hacerse farragosa, adentrarse en las políticas de despacho ante un hecho clave destacando su cuidado y pulcritud en el detalle a pesar de ser una película teatral que juega con los espacios cerrados para centrarse sobre todo en las motivaciones y conflictos de sus personajes.

Evidentemente la baza de la película es un Gary Oldman que como Churchill hace que dure sólo un segundo los prejuicios que podía haber por su caracterización y por el hecho de tener el listón tan alto con otros actores que han llevado a grandes cotas al mismo personaje. Pobres los que dudábamos. Oldman crea un Churchill para el recuerdo y se asegura el Oscar a mejor actor, no sólo por la calidad de su trabajo, sino porque cumple uno por uno todos los requisitos que parecen justificar un premio como el Oscar, más si es para una figura de tal importancia histórica (precisamente en el año en que “Dunkerque” cuenta la otra parte de lo que se está contando) y encarnada por un actor respetado y al que los Oscar, hasta ahora, sólo brindaron la nominación por “El topo”. A destacar como Oldman convierte su excesividad habitual en virtud (nunca termina siendo excéntrico) en un personaje que es puro "Oscar clip" y que se aleja de su nimiedad gestual en "El topo" pero al que imprime una humanidad brutal en escenas como la del metro teniendo un improvisado encuentro con una serie de personajes que son reflejo de ese país al que "el padre de la nación" levanta sobre sus espaldas. El resto del reparto cumple de manera eficaz pero sometidos al recital mayúsculo de Oldman y quedan algo anecdóticos como es el caso de su mujer (Kristin Scott Thomas), el rey Jorge VI (Ben Mendelsohn), su secretaria (Lily James) o su predecesor Neville Chamberlain (Ronald Pickup), que dimite ante la incapacidad física de soportar la presión de un país que entra en guerra. Un excelente retrato de unos hechos que a buen seguro será una de las cintas que llegue a conseguir la nominación a mejor película en los próximos Oscar.

La jornada se ha completado con "El reverendo” de Paul Schrader, cinta que compitió en el Festival de Venecia y con la que el director vuelve a explorar su galería de personajes torturados y con conflictos internos como es el caso de un capellán que vive traumatizado por la muerte de su hijo en zona de conflicto y que lleva ese odio a realizar proclamas fanatistas en el púlpito hasta que entra en su vida una joven que ha quedado viuda. Una cinta angustiosa y fría, aséptica en su forma, pero que indaga en lo que es correcto y lo que no desde el punto de vista de la fe con un Ethan Hawke especialmente convincente desembocando en un final efectivo y poderoso (con la canción de Everlasting arms) que, por otro lado, no hace olvidar un momento de levitación de cierta vergüenza ajena.

Nacho Gonzalo