Conexión Oscar 2015: Los guiones

Querido Teo:

Las categorías de guión llegan siempre con la idea de o bien reconocer a películas meritorias que parecen relegadas a la hora luchar con garantías por el premio gordo o, en cambio, sustentar y reforzar el galardón a mejor cinta del año y es que, en los últimos 15 años, 4 ganadoras de mejor película ganaron en el apartado de guión original y 7 en el de guión adaptado. Sólo en 2001 (“Casi famosos” y “Traffic”), 2003 (“Hable con ella” y “El pianista”), 2005 (“¡Olvídate de mí!” y “Entre copas”) y 2012 (“Midnight in Paris” y “Los descendientes”) ninguna de las ganadoras en guión repitió el premio en mejor película.

Guión original

Los candidatos

Alejandro González Iñarritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo (Birdman)

Este cuarteto ha demostrado este año a Angelina Jolie que se puede escribir un guión a ocho manos sin que la cinta acabe naufragando como su “Invencible (Unbroken)”.  Y es que “Birdman” es un conjunto tan sólido como original, con diálogos profundos y rápidos, y con un mensaje meta que entronca muy bien con los fantasmas de Hollywood, las rabietas actorales y las concesiones paternofiliales a través de una estrella encumbrada que ahora deambula estando entre lo desvalido, desnortado y petulante. Y es que el gran acierto de la película es su dibujo de personajes, mucho más profundo que el de “El Gran Hotel Budapest", brindando a sus actores unos roles que son casi una segunda piel siendo tan identificables para ellos los papeles que asumen, principalmente, Michael Keaton y Edward Norton. Además, el guión se fue construyendo sobre la marcha enriqueciéndose con los aportes actorales y dando estopa con amargura a todos los sectores de la industria sin olvidar al papel de los críticos y navegando con equilibrio entre la comedia y el drama. Un vertiginoso salto, tanto técnico como argumental, para un Iñarritu que venía de provocar que los espectadores tuvieran instintos suicidas tras ver sus anteriores trabajos. El director se quita los fantasmas, también de su separación artística con el guionista Guillermo Arriaga que hizo que muchos cuestionaran el talento del director de “Babel”, y presenta un ejercicio mayúsculo a todos los niveles que sobre todo sirve para reafirmar el talento de Iñarritu en la que ya es para él una masterpiece que tendrá difícil superar.

Richard Linklater (Boyhood)

Richard Linklater parece cómodo en una categoría que le tiene como sospechoso habitual si tenemos en cuenta las candidaturas recibidas (ambas como adaptado) de “Antes del atardecer” y “Antes del anochecer”. Quizás el guión no es el aspecto más lúcido de la película, siendo la propia vida la que abría el camino, centrándose Linklater en poner la cámara y readaptar un poco lo que podía tener previsto a las circunstancias de, especialmente, un Ellar Coltrane en pleno crecimiento. Aun así, siempre tuvo claro el inicio y el desenlace de una historia cíclica en la que un niño pasa a ser joven mientras va descubriendo el mundo de los adultos, el mismo al que él está a punto de ingresar al final de la cinta. El trabajo de Linklater como guionista es sutil y orgánico y no logra brillar en el diálogo como en la trilogía anteriormente citada, siendo su gran labor en la cinta su faceta como director, el aspecto que se le premiará si la Academia decide recompensarle con una estatuilla.

Wes Anderson (El Gran Hotel Budapest)

Wes Anderson ha dejado de ser un bicho raro y, aunque no sabemos si la Academia todavía sigue pensando eso realmente de él, con “El Gran Hotel Budapest” ha pasado de quedar relegado a la categoría de guión a explotar definitivamente siendo su última propuesta la más nominada de este año tras un largo recorrido de un año desde que, al igual que “Boyhood”, se proyectara en el Festival de Berlín. A pesar de que la película se inspira en los relatos de Stefan Zweig, no llegar al término de “adaptación pura y dura” ha propiciado que compita en este apartado. Es la tercera nominación como guionista de Anderson tras “Los Tenenbaums” en 2002 y “Moonrise kingdom” en 2013. Sin renunciar a su particular universo, Anderson ofrece una buddy movie de entreguerras en la que el misterio y el enredo se dan la mano en una narración cíclica (no hay más que ver como se abre y se cierra la película) en la que los personajes, sin ahondar en ellos más allá que en su protagonista, no necesitan mucho para que percibamos en qué lado se encuentran y qué función llevan a cabo en este teatrillo improvisado. Un canto al compañerismo y a la unión de Europa en una cinta que nunca se desboca y que, a pesar de su anarquía estética, siempre se mueve en un tono adecuado resaltando la trama y los valores de la misma siempre que se supere el empacho que para algunos puede provocar su estilo.

Max Frye y Dan Futterman (Foxcatcher)

Ambos guionistas llevan a cabo en “Foxcatcher” todo un golpe al sueño americano a través de la sórdida narración de hechos que se lleva a cabo en la película. El guión está al servicio de una ambientación asfixiante que llega a helar la sangre y, por ello, se centra sobre todo en dar fuerza a las interpretaciones actorales. El resultado indignó a Mark Schultz, por algunas de las insinuaciones veladas que se hacen sobre su relación con John du Pont, pero no se puede negar que el guión funciona como lo que pretende ser la cinta, una radiografía a las pulsiones más humanas y enfermizas. Todo con sobriedad y estilo en esta fábula lúgubre que desfila sobre los vericuetos de una mente psicótica y tortuosa en una sociedad de consumo rápido, éxito banal y capitalismo republicano obsesivo. Y es que uno de sus mejores aciertos es esa complicidad y relación de los dos hermanos y, sobre todo, la personalidad malcriada y llena de complejos del personaje de Carell, un mediocre con ínfulas traumatizado por su severa madre, en una cinta sobre un deporte que es una muestra de lucha, afecto no correspondido y complejidades del sentir humano.

Dan Gilroy (Nightcrawler)

Única nominación para “Nightcrawler”, una de las cintas relanzadas por los Gremios y que a la hora de la verdad no llegó a tanto como algunos esperaban. Fuera de la categoría de película y, especialmente, de la de mejor actor por un Jake Gyllenhaal que borda ese papel de chacal famélico en busca de la carroña que deja el asfalto. Descubre el mundo de los medios de comunicación, concretamente del periodismo basura que busca el titular más rutilante y morboso, y como un buitre va en busca de la foto más morbosa y gore para venderla a los medios. La atmósfera es enfermiza y recuerda temáticamente a “El gran carnaval”, “Network (Un mundo implacable)”, “Al filo de la noticia”, “El dilema” o “El precio de la verdad”, así como uno de los trabajos más recordados de Scorsese protagonizado por Robert De Niro, o la contemporánea “Drive”. La película cambia de torno en varias ocasiones y eso, si bien argumentalmente queda algo confuso dentro de su estética neonoir, ayuda a redondear y dotar de múltiples matices la interpretación de Jake Gyllenhaal cuya delgadez y ojos casi desbocados le ayudan a construir un personaje que pasa de ser encantador a psicótico, introduciéndose en una espiral miserable y adictiva fruto de la demanda imperiosa de información al minuto compuesta por noticias rápidas e impactantes. Un retrato desasosegante sobre los trepas y arribistas en una cinta que, más que escudriñar nuestra sociedad actual, pega un puñetazo al estómago del gremio periodista de grande tragaderas y cero moral.

El dictamen

Ganará: Alejandro González Iñarritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo (Birdman)
Alternativa: Wes Anderson (El Gran Hotel Budapest)
Quiero que gane: Dan Gilroy (Nightcrawler)
Echo de menos: Ava DuVernay y Paul Webb (Selma)

Guión adaptado

Los candidatos

Jason Hall (El francotirador)

Primera nominación para Jason Hall adaptando las memorias del francotirador Chris Kyle, el hombre con más víctimas a sus espaldas de todo el ejército USA. Lo principal que se achaca al guión es que haya pecado de poco emocional y ofrezca un retrato aséptico que tampoco termina de explorar el síndrome adictivo que provoca la guerra para algunos hombres, y es que la película cumple en una adaptación muy fiel que no carga de efectismos o de empatías forzadas al personaje interpretado por Bradley Cooper. La historia es lo que es y la psicología del personaje muestra su dualidad sin forzar en demasía lo que se pretende contar. En todo caso, un éxito para Hall esta candidatura (que demuestra la fuerza con la que ha llegado la cinta) siendo sólo su tercer trabajo en este campo tras la muy prescindibles “American playboy” y “El poder del dinero”.

Graham Moore (The imitation game)

Una cinta modélica y con oficio, con un puntito a telefilm bien hecho, pero tremendamente efectiva. Más fría que emocional, y más analítica que intensa, la cinta peca de tratar algo superficialmente los traumas que padece el personaje, así como la sensación de culpa por una condición sexual que fue la que terminó con sus huesos en prisión donde fue sometido a la castración química falleciendo a los 41 años tras tomar una manzana con cianuro, símbolo de los tiempos y homenaje al personaje y su contribución técnica en los orígenes de la informática que sirvió para que Steve Jobs creara el logotipo de Apple. Se pretende pasar tan por encima de ello, para no molestar a algunos sectores conservadores, que queda algo ridículo y demasiado políticamente correcto que en la cinta se presente tan desdibujado y como con cierto temor a mostrar que el protagonista es gay primando el concepto de crowd pleaser universal para todo tipo de público. El mérito del guión es manejar muy bien las tres líneas temporales en las que se mueve, permitiendo que el protagonista brille (sin estridencias) y apueste por la sutilidad, y es que la propia película tiene mucho subtexto y detalles en los que apenas incide, a pesar del riesgo de que en algunas escenas pudiera caer en la parodia más burda, todo en un ambiente tan controlado que no llega a emocionar como debiera pecando de formulaica y privándonos por el escaso riesgo de algunas escenas que podrían tener una gran fuerza, por su importancia en la biografía de Turing, y que quedan ocultas o difuminadas. Y es que a pesar de su convencionalismo bien entendido, el guión es responsable de que la película entretenga y dé a conocer (aunque menos de lo que se quisiera) la tortuosidad del hombre detrás de la máquina. Un trabajo modélico, pero no brillante, que es más valorable al ser el primer trabajo en cine de Moore.

Paul Thomas Anderson (Puro vicio)

Paul Thomas Anderson prosigue su romance con la Academia, al menos como guionista, ya que logra su cuarta nominación en este campo tras “Boogie nights”, “Magnolia” y “Pozos de ambición”. Paul Thomas Anderson parece haber sobrevivido de un texto que homenajea al cine negro de los años 40 bañándole de la estética pulp y hippy de los 70. Y es que Thomas Pynchon no pone fácil adaptar una obra psicotrópica, de muchas capas, y enormemente compleja a la hora de vertebrar su historia.

Anthony McCarten (La teoría del todo)

Anthony McCarten culmina con esta nominación un largo recorrido que se inició con la intención de que Jane Hawking, primera mujer del científico, le facilitara los derechos de sus memorias al lado de su marido. Y es que esas memorias tuvieron una segunda versión mucho más dulcificada después de las iniciales, en las que ponía a caldo al físico resentida como estaba por el hecho de que Hawking la dejara por una enfermera buscona. La relación entre ambos es mucho más normalizada en la actualidad y los dos se han mostrado encantados con el trabajo que han hecho los artífices de la película. En la cinta se nota el respeto, casi devoción, que se tiene a la figura de Jane Hawking que, aprovechándose de una historia contada desde su prisma, es casi presentada como una heroína sacrificada que no vio como una carga lo que le había tocado en suerte, gracias a un amor desinteresado y puro. Y es que, a pesar de pretender tocar la fibra romántica y emocional, da la impresión de que la cinta ha terminado siendo una propuesta discreta y correcta, pero que no ha sabido rendir figura al personaje al pesar de ser un biopic que abarca más de tres décadas de existencia. McCarten ha hecho un trabajo correcto pero poco memorable, repitiendo fórmulas ya vistas en este tipo de películas pero sin arriesgar ni permitirse perdurar. Aun así, la cinta ha cumplido para los amantes del amor más idealizado y de las historias de parejas que se enfrentan a la incomprensión y a la enfermedad gracias, como no, al carismático trabajo de sus actores que es lo que termina salvando la historia y la película.

Damien Chazelle (Whiplash)

Damien Chazelle se ha aprovechado de una experiencia personal para primero lanzar su corto y después sorprender con la película homónima que se ha convertido en una de las revelaciones de la temporada, digna heredera de clásicos contemporáneos como “La red social” y “Cisne negro” con las que comparte la atmósfera, soledad y perfeccionismo obsesivo de sus protagonistas. Aunque Chazelle se haya quedado fuera de la categoría de dirección, sus opciones en este apartado han ido subiendo como la espuma erigiéndose como alternativa a “The imitation game” tras la omisión de “Perdida”, más todavía teniendo en cuenta que superó la temida división de votos en este apartado ya que no hay que olvidar que inicialmente la cinta fue propuesta como comtendiente en guión original. Chazelle logra que sus personajes arquetípicos no lo sean tanto, y es que reinando la anarquía llega a lo máximo como una buena composición de jazz virtuosista en la que la sangre y la saliva son muestra de la transpiración de este entrenamiento militar en el que sobrevuela la sombra de Charlie Parker. El arte y la supeditación al mismo como un siervo ejecutor pero con la satisfacción vital que provoca alcanzar la perfección en él. Un reverso del american dream y de la necesidad de éxito de nuestro tiempo y que es casi una parábola sobre qué no hay dejar nada al azar y que el esfuerzo casi convertido en vejación es el único trampolín para ello en un mundo tan enormemente competitivo en el que para convertirse en genio nunca hay que acomodarse intentando pulverizar todo límite. Una cinta musical, virtuosa y enérgica que en un permanente crescendo ofrece una de las experiencias cinematográficas del año a la que se le quedaría corto a estas alturas que sólo Simmons se llevara el premio.

El dictamen

Ganará: Graham Moore (The imitation game)
Alternativa: Damien Chazelle (Whiplash)
Quiero que gane: Damien Chazelle (Whiplash)
Echo de menos: Gillian Flynn (Perdida)

Nacho Gonzalo