Cannes 2022: Los Dardenne vuelven a denunciar, golpear y emocionar y Mario Martone echa la vista atrás

Querido Teo:

¿Qué sería del Festival de Cannes sin los hermanos Dardenne? Los directores belgas encontraron en este certamen el trampolín perfecto y el estatus de su filmografía (muy de nicho) se debe a las dos Palmas de Oro ganadas, respectivamente, por “Rosetta” en 1999 y “El niño” en 2005. Pocas veces desde entonces han faltado a la cita de Cannes y en todavía menos se han ido de vacío. Tras una intensa jornada con Park Chan-wook y David Cronenberg tocaba que el Festival volviera a la velocidad de crucero tanto con los Dardenne como con Mario Martone, suponiendo el regreso a la competición del realizador italiano 27 años después.

“Tori y Lokita” se adentra en el drama de la inmigración africana a partir de la llegada a Bélgica, supervivientes de un Mediterráneo que ejerce de tumba como cruel filtro de selección natural, de dos hermanos en necesaria alianza frente a las condiciones que se les presentan, una adolescente a la que no hay manera que le den los papeles y un crío despierto que al menos ha podido entrar con la condición de refugiado. El mensaje de los Dardenne es siempre pertinente, también forzado en su preocupación por las diferencias sociales, pero siendo los únicos que junto a Ken Loach han antepuesto el mensaje de sus películas y su mirada del mundo que nos rodea a cualquier veleidad de autor. Una inclinación hacia que el mensaje sea la voz y que el director quede en un segundo plano siendo lo importante que mundo se digne a abrir los ojos de una realidad que convive con nosotros pero a la que no se hace caso.

Nadie encontrará en esta película nada distinto a lo que los hermanos han pulido título a título, subrayando un estilo de cámara en mano, rostros pegados a la pantalla y planos secuencia que bebe mucho del neorrealismo italiano, siendo el arma secreta el trabajo con los actores, tan minuciosamente preparado como espontáneo en su vuelco en la historia. Es lo que vuelve a ocurrir con el desempeño de Alban Ukaj y Pablo Schils, los cuales contienen la emoción, generan empatía y también nos llevan por terrenos sórdidos en los que el racismo, la violencia, las drogas, las mafias y la precariedad laboral emergen creando tensión y claustrofobia y minando tímidos brotes de solidaridad y, porqué no decirlo, la suerte esquiva que pueda aparecer cual brisa de vientos tímidos de buena ventura. Una historia con la que los Dardenne intentan frente a discursos de odio poner en valor a estas historias teñidas de prejuicio o del hartazgo de los que prefieren mirar a otro lado. Aún repitiendo su fórmula, es complicado no caer desarmado ante el magnetismo, verismo y humanidad de una historia como la de tantas aupada por su honestidad y el carisma de sus intérpretes.

“Tori y Lokita” no cuenta nada nuevo ni llamativo pero la concentrada duración del cine de los Dardenne (88 minutos en esta ocasión) favorece que sus películas vayan al grano y el núcleo emocional de la historia no se disperse en alardes visuales o subtramas secundarias. Lo que se ve en la cinta, no exenta de tono aleccionador en su desenlace, no es más que a dos condenados por su piel y procedencia obligados a bracear sobre los oleajes de la vida manteniéndose a flote como asidero mutuo no permitiéndose el descanso en su travesía hacia no se sabe dónde, pudiendo ser apartados en cualquier momento de su objetivo, el cual no es otro que seguir adelante y poder enviar dinero a su familia aunque tengan que sufrir los consabidos chantajes y vejaciones entre trapicheos y prostitución.

Los Dardenne no cargan tintas pero tampoco ocultan la realidad contando mucho con lo mínimo, sabiendo perfectamente lo que hacen y sin mitigar lo desolador de sus historias en las que la esperanza no se intuye y sí un destino de penurias que no transciende pero sí conecta con la fibra sensible permitiendo que, aunque sea por un instante, se zarandee la conciencia de más de uno. Un cine honesto, íntegro y sin artificios con el que siempre cumplen, denunciando a la par que emocionando, demostrando además su talento para rodar con actores jóvenes a los que brindan la oportunidad de ser la voz y el rostro de muchos en continua huida hacia lo que pueda esperar a la vuelta de la esquina ya que lo que se deja atrás no se puede expresar con palabras cuando, incluso, se prefiere poner la vida en juego con tal de no dar pasos atrás y no decir que no se ha intentado. Todo lo que sea no volver al pozo profundo del que se intenta salir aunque recalen en una Europa en la que son carne tanto de marginación como de explotación.

¿Queda todavía algún director por contar la historia de un hombre que vuelve al lugar de sus raíces para reflexionar sobre su vida y retornar sobre los pasos andados? El veterano Mario Martone se adentra con el poco disimulado título de "Nostalgia" en esta corriente con una cinta en la que, tras 40 años de ausencia, Felice vuelve a su ciudad natal: Nápoles, redescubriendo los lugares, los códigos de la ciudad y un pasado que le corroe. Una cinta protagonizada por Pierfrancesco Favino, el cual encontró el papel de su vida en “El traidor” (2019), la cinta de Marco Bellocchio que, aunque quedó fuera del palmarés, revolucionó la recta final cuando fue presentada a competición en su año.

Las primeras críticas apuntan a un drama introspectivo que sin terminar de arrebatar cumple con dignidad con una primera parte emotiva y una segunda más funcional pero efectiva. Un redescubrimiento sensorial de la ciudad de Nápoles y su gente a través de la mirada curiosa de un protagonista que se encuentra en esos momentos de inflexión que marcan una existencia. Todo en un lugar que ya no reconoce, distinto al que dejó en teoría, pero empobrecido y asolado por la mafia, que es el escenario de un hombre que huye de sus fantasmas frente a un entorno que le abruma en un presente que se da de bruces continuamente con las heridas del pasado de una Europa en permanente evolución política, económica y social sin saber muy bien hacia dónde. 

Un vacío existencial volviendo sobre las pisadas del pasado con una narrativa torpe que lastra a una cinta ensimismada, meditabunda y poco atractiva siendo incapaz de sorprender. Una vertiente introspectiva y sensible, sobre un tono pausado, que muestra la vulnerabilidad frente a los baqueteos de la vida, y que deriva en un drama criminal obvio y al que no se le saca el jugo previsto. Quizá esta película encuentre su presencia en el palmarés en la categoría de mejor actor pero también parecer ser una de las cintas que menos se recuerden de la edición de este año.

Dentro de Proyecciones de medianoche se ha podido ver "Moonage daydream" de Brett Morgen, efervescente documental sobre la influencia de la figura y legado de David Bowie. Un viaje sensorial y vertiginoso con imágenes inéditas que han llevado al director más de cinco años de trabajo. Se ha destacado su capacidad de cautivar y conmover con un derroche visual y sonoro que celebra de manera eléctrica e intensa la existencia de un genio y de un icono tanto para la música como para la cultura popular. 140 minutos de puro deleite para fans, redescubridores de su obra y aquellos que quieran introducirse en su figura a través de un proyecto que ha contado con el apoyo y aval de familiares y colaboradores de Bowie. Una nueva muesca para un Brett Morgen que ya ha retratado figuras influyentes de las últimas décadas en "Kurt Cobain: Montage of heck" (2015) o "Jane" (2017).

En Quincena de Realizadores "Los cinco diablos" de Léa Mysius, sostenida en su puesta en escena y en el trabajo siempre volcánico y expresivo de Adèle Exarchopoulos. La historia de una joven que vive con sus padres y que, tras la salida de su tía de prisión, se topa de manera drástica con su pasado. Una cinta de la que se ha considerado que queda bien definida pero que falla en su ejecución por una mezcla de géneros que no termina de hilvanar una historia que queda por debajo de la propuesta visual de la cinta. Eso sí, para recordar la escena de karaoke cantando Total eclipse of the heart por parte de Adèle Exarchopoulos y Swala Emati.

Fuera de concurso se ha visto "El inocente" de Louis Garrel, el cual se encuentra en una etapa de realizador prolífica en la que parece que se encuentra cómodo dotando de un tono juguetón y naif a sus historias. En esta ocasión también coescribe y protagoniza dando vida a un tipo que descubre que su madre sesentona se ha comprometido con un hombre que acaba de salir de la cárcel. Una noticia que hará que quiera llevar a cabo un plan para boicotearlo hasta que, el entrar en contacto con su futuro padrastro, hará que cambie la perspectiva. Una dramedia llena de ingenio, ternura, chispa y humor que para muchos ha sido un oasis a estas alturas del certamen con un Garrel estupendo en el patetismo obsesivo de su personaje y que logra con sus películas acercarse al público sin necesidad de abandonar cierto aire de intelectualidad. Ojo a una playlist de la década de los 80 con la que el reparto se vuelca y conecta con el público.

Cannes ha acogido también hoy un encuentro de realizadores para debatir sobre el futuro del cine y qué supone ser director hoy en una charla integrada por Claude Lelouch, Guillermo del Toro, Gaspar Noé, Paolo Sorrentino, Michel Hazanavicius y Constantin Costa-Gavras. 

Todo ello antes del encuentro de varias figuras del cine para la foto de la 75ª edición del Festival de Cannes. Mucho menos lucida que la de hace cinco años (no hay más que comparar ambas) pero después de la pandemia todo reencuentro de este tipo es más que bien recibido, más cuando Guillermo del Toro y Gael García Bernal se han venido arriba a la hora de entonar la ranchera Me cansé de rogarte.

Nacho Gonzalo