San Sebastián 2017: El top 10 de lo visto en el Festival

Querido Teo:

Siempre es emocionante saber qué película de Perlas se lleva el Premio del Público y día a día la prensa se agolpa para ver si hay fumata blanca y alguna cinta destaca sobre las otras. Este año el 8´65 de “Tres anuncios en las afueras” ha sido determinante y es que las que se han quedado cerca no han sido las celebradas “Call me by your name”, “The Florida project”, “La gran enfermedad del amor”, “Wonderstruck” o “Sin amor”, sino “Custodia compartida”, “El viaje de sus vidas”, “La casa junto al mar” y “Borg/McEnroe”, quizás más convencionales y no tan destacadas por la crítica pero que sí que cuentan con ese factor emocional tan importante en este tipo de votaciones. En todo caso esto es sólo un preámbulo para en este post comentar a título personal nuestras 10 películas más destacadas de entre las vistas en el certamen donostiarra.

10º “Morir” de Fernando Franco

Sección oficial. Proyecciones especiales. Muy auténtico y universal lo que narra “Morir” y eso la termina haciendo más grande aunque sea a través del peor trance posible ya que la cinta adopta un tono sobrio y austero sin ser plomizo ni aburrido y con una sutilidad en su guión que es elevado por el brillante trabajo de Marián Álvarez y Andrés Gertrúdix. Una cinta clara en su título y que no lleva a engaños ni en su temática ni en su tono, teniendo en cuenta que la anterior película del director fue “La herida”, pero es de aplaudir como ha enfocado un tema tan reconocible (que podría haber caído en el dramatismo fácil o en la sensiblería más extrema) de una manera tan orgánica y natural siendo en el fondo, también, un canto a cómo encarar esta etapa de la vida por muy duro que sea; y más si es en compañía apoyándose ambos personajes como bastón emocional.

9º “Pororoca” de Constantin Popescu

Sección oficial. “Pororoca” sigue la tradición de la nueva ola del cine rumano aunque Constantin Popescu no se haya hecho todavía un nombre en el panorama festivalero como Cristian Mungiu, Cristi Puiu o Călin Peter Netzer. Lo que cuenta la película es algo que ya hemos visto en más ocasiones en la pantalla de cine siendo un drama sórdido sobre la degradación física, psicológica y familiar de un padre de familia que pierde a su hija de cinco años cuando la acompañaba en el parque en una jornada tan normal pero que acaba transformándose en la peor de las pesadillas cuando la niña no deja rastro. Tendrá que enfrentarse a sus demonios interiores, y a la rabia por no estar más atento de ello, así como el abandono de su mujer debido a este hecho, o la burocracia policial que desespera siempre a un padre en esta situación al querer soluciones rápidas y medidas, si fuera necesario, desesperadas. Un final abierto y violento, y una puesta en escena que parte de fueras de campo y planos largos para poco a poco centrarse más en la figura omnipresente del padre conforme va creciendo su desesperación, son el arma de una de las cintas que más ha impactado en el certamen.

8º “La llamada” de Javier Ambrossi y Javier Calvo

Proyección especial TVE. “La llamada” ha encontrado en San Sebastián el trampolín previo al fenómeno que se espera que suponga para la taquilla, incluso superando el éxito de un musical que no ha hecho más que crecer en los últimos años en la cartelera madrileña y que, de casi representarse de tapadillo, se ha convertido desde finales de 2013 en una cita ineludible para ciudadanos y turistas de la ciudad. A destacar como han conseguido en la película, orgullosos de su sencillez y carisma, transmitir al cine un buen rollo innato aupado por una premisa tan ilógica como refrescante (un campamento juvenil y religioso el que una chica ve a Dios y siente su llamada a través de las canciones de Whitney Houston). Cinco actores en estado de gracia (Macarena García, Anna Castillo, Gracia Olayo, Belén Cuesta y Richard Collins-Moore), que tienen perfectamente cogido el tono y el timing cómico de sus personajes al estrenar ellos la obra en las tablas, elevan una cinta que se merece un gran recorrido en taquilla ávidos como estamos de películas que funcionen bien ante el público rompiendo tópicos sobre la fe, la camaradería y el concepto de musical. Y es que uno de sus grandes aciertos es la profundidad, agilidad y matices de sus interpretaciones y una puesta en escena que ni mucho menos peca de austera o teatral en el sentido más peyorativo. Una película para la generación “millennial”, muy de su tiempo y refrescante, de la que es imposible no salir con el ánimo subido.

7º “C´est la vie!” de Olivier Nakache y Éric Toledano

Sección oficial. En “C´est la vie!” nos adentramos en el mundo de los banquetes de bodas a través de una empresa que organiza todo el evento dirigido por un jefe de operaciones estresado, en permanente estado de exaltación, y que está pasando un duro momento personal separándose de su mujer mientras su amante (una de las miembros de su organización) parece también querer romper con él. En ese ambiente encaran todos un día tan estresante como surrealista con el fin de organizar con todo el boato y perfección la boda de un petulante niño rico en un palacete y atender a sus exigencias. Ya con un prólogo delirante, que nos sirve para conocer cómo funciona este mundillo de las bodas mucho más paranoico y delirante de lo que parecen apuntar los cuidados álbumes de fotos, los vídeos en los que vemos a invitados con la corbata en la frente, y alguna conga salida de madre, nos adentramos en un delirio con un ritmo trepidante en el que se explota la coralidad de la historia entre camareros, el DJ, el fotógrafo y su becario, o invitados para dar de comer a parte (pero tan reconocibles) como es el caso de la madre del novio. Todo capitalizado por un Jean-Pierre Bacri que asume ese rol de jefe cascarrabias pero con buen corazón, frente a todos los problemas y enredos que surgen como una sublevación laboral o tener que sustituir con hojaldre los problemas en el menú, en el que el actor saca a relucir toda su vena cómica, mucho más bufa que la vista en sus más intelectuales trabajos para Agnès Jaoui. Desde luego que no estamos ante la comedia definitiva, ni se reinventa nada con ella, pero las risas y el buen rato que provoca (en un éxtasis continuo para el espectador) no está pagado.

6º “La casa junto al mar” de Robert Guédiguian

Perlas. Con su reparto habitual (Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan) y su querida Marsella de fondo como un personaje más, el director lleva a cabo un tierno y emotivo retrato sobre tres hermanos que vuelven a la casa familiar cuando el padre de ellos sufre un ataque que le deja inerte. El clásico reencuentro de estos hermanos criados en el ideal obrero, convertido en una sociedad que se mueve en la doble moral burguesa, y que ven como sus sueños de juventud quizás no han sido los que ellos esperaban viviendo unos días clave para reencauzar su vida a través de una serie de personas que aparecen en sus vidas. Una película sencilla y deliciosa con personajes que transmiten esa sensación siempre cultivada por el director de ser una pequeña familia como rememora ese momento de la película con imágenes de archivo de los actores disfrutando hace más de tres décadas.

5º “Handia” de Jon Garaño y Aitor Arregi

Sección oficial. Un paso de gigante para la industria de cine vasco y también para un par de directores que confirman las buenas sensaciones que dejaron con “Loreak (Flores)”. La cinta cuenta con ternura la relación de dos hermanos separados del caserío familiar, debido a la Primera Guerra Carlista, que provocará que uno de ellos vaya a la línea de batalla en un momento muy “a lo decisión de Sophie” que es uno de los mejor resueltos de la cinta. Cuando Martín, el hermano que ha ido a la guerra, regresa al hogar tres años después de terminar la contienda (y con un brazo inutilizado) descubre que su hermano ha terminado generando tras una enfermedad un episodio de gigantismo que no hace más que hacerle crecer. Martín descubrirá una oportunidad de negocio, y de ser alguien, recorriendo Europa mostrando a su hermano al mundo como un espectáculo circense con el fin de salvar de la ruína el caserío familiar y también ahorrar y cumplir el sueño de Martín de viajar a USA e iniciar una nueva vida. La cinta funciona a todos los niveles, tanto técnicos como interpretativos, y sobresale por la madurez y el tono de permanente melancolía en una España de inadaptados, marcados por el dedo por su ideología o bando, y familias rotas por el conflicto y por la pobreza. Una historia fraternal en tono de leyenda que se adentra en la raigambre vasca en una tierna, eficaz y rotunda propuesta con la que los directores dan, nunca mejor dicho, un salto de gigante en una carrera “in crescendo” y a la que sólo le traiciona querer ser algo sobreexplicada la relación entre los hermanos y las fricciones personales y profesionales en esa gira que, por otro lado y a pesar de ciertos vaivenes en su parte central, termina desembocando en un final tan bello y estiloso como efectivo y sensible que demuestra con tono de fábula que al final la humanidad y su carácter fraternal es lo que termina quedando frente a cualquier ambición material.

4º “El viaje de sus vidas” de Paolo Virzì

Perlas. “El viaje de sus vidas” de Paolo Virzì es el salto al cine anglosajón del director de “La prima cosa bella” y “Locas de alegría”. Un director que ha sabido combinar muy bien el drama, con la comedia y la emoción. Ese cóctel funciona como un reloj en esta cinta que no se avergüenza de ser convencional pero que es muy difícil que no conmueva hasta a los más escépticos. La historia de un matrimonio de ancianos, que se han amado durante muchos años, y que (enfermos ambos pero sin perder las ganas de vivir y la curiosidad por los viajes) deciden emprender las últimas grandes vacaciones de su vida a bordo de su caravana para estupor de unos hijos que ni comparten esa ilusión por la vida y que miran con cierta envidia el amor devoto e incondicional que se tiene la pareja formada por unos excelentes Helen Mirren y Donald Sutherland. Ellos logran a través de sus anécdotas, vivencias, abrazos y reproches creernos que llevan toda una vida juntos y en la que, a pesar de los avatares incluso en la etapa final de sus vidas, siempre ha primado el amor que se profesan actuando cada uno de ellos como bastones emocionales del otro. Una delicia tierna, inspiradora y emotiva sobre esa emoción convertida en sentimiento y sobre el paso del tiempo inexorable en el deterioro físico y mental  de cada uno. Y es que aunque la enfermedad y la muerte sobrevuele a esta pareja, la cinta es un canto esperanzado por el placer de disfrutar de la vida.

3º “Caras y lugares” de Agnès Varda y JR

Proyección Premio Donostia. Muy disfrutable “Caras y lugares”, colaboración entre la veterana directora Agnès Varda (que este año recibe el premio Donostia) y el artista gráfico urbano y fotógrafo JR, un joven francés conocido por sus impactantes obras visuales que consisten en enormes intervenciones gráficas en calles y tejados de diversas ciudades de todo el mundo. Con gran simpatía, química y carisma este tándem logra llenar de frescura, verdad y elogio a lo cotidiano un documental en el que la pareja da mucho más que para un trabajo de hora y media dejando ganas de verles más. Deliciosa propuesta en la que vemos al irreverente y simpático artista gráfico desmontar, junto a la curiosidad de la directora, los tópicos sobre el arte dando protagonismo a esas personas que nunca saldrán del anonimato pero que encaran la vida con valentía, espíritu de sacrificio, honestidad y amor al prójimo siendo rendidos culto a través de la fotografía de Varda y JR a los que es una delicia ver en carretera, lanzándose pullas, queriéndose y admirándose a partes iguales, interactuando con la gente, paseando, discutiendo sobre la edad, el arte y su banalidad, y la pureza de una gente desconocida tremendamente enriquecedora que les va surgiendo por el camino aprovechando para dejar patente tanto sus reivindicaciones como su contribución diaria a la vida aunque sea desde una granja o desde el muelle de un puerto. Impagable esa carrera por el Louvre, la reacción al ver su fotografía de una mujer que se resiste a abandonar el barrio en el que ha estado toda su vida, el encuentro con la abuela de JR o ese peregrinaje con final incierto que les lleva a la casa del mismísimo Godard, compañero de generación y movimiento de una Varda a la que, al igual que Woody Allen, hemos descubierto (aunque sea casi a los 90 años) que además de sus películas nos encanta verla en pantalla tanto por su naturalidad, su amor por las personas y el arte, y sus ganas de vivir y seguir preguntándose cosas sobre los problemas de la gente y el mundo que nos rodea.

2º “The disaster artist” de James Franco

Sección oficial. Si “La la land” era todo un canto a los soñadores también hay algo de eso en “The disaster artist” aunque sea a través de un personaje inconsciente y excéntrico que encaró el rodaje de su película entre su visión ególatra, sus delirios de grandeza y un continuo sentimiento de manía persecutoria al tener que dirigir a un equipo que no sabía cuál era su función en ese circo y asistía atónito al desastre. La cinta empieza por la amistad que surge entre Tommy y Greg, desde los tiempos en el que la inseguridad del segundo es apoyada en la desbordante personalidad del primero, el cómo surge el proyecto derivando en los intríngulis de un rodaje digno de “¡Qué ruina de función!”, y finalmente en la noche de la premiere en que se proyectó la cinta para asombro, estupor y risas de los asistentes que, no obstante, supieron ver la empresa cumplida por parte de un soñador siendo ovacionado como tal. Franco se aprovecha del potencial del personaje y de la historia, los títulos de crédito finales no hacen más que encumbrar su trabajo como actor clavando en cada gesto, frase o carcajada la visión de una figura en el fondo tan desconocida y rodeada de leyenda como la del músico de “Searching for sugar man”. La película acierta en el tono, no cayendo en la parodia, sino en retratar con cierto halo de tristeza la clásica figura de juguete roto que lo es antes de comenzar la partida en el juego de Hollywood y lo duro y sacrificado que es hacerse un hueco en él así como los sinsabores de la profesión de actor. James Franco cuenta con su hermano Dave para el otro papel protagonista así como un buen número de cameos como los de Seth Rogen, Jacki Weaver, Alison Brie, Josh Hutcherson, Bryan Cranston o Zac Efron. Imprescindible quedarse a los títulos de crédito del final en una cinta en la que también sobrevuela en todo momento el espíritu del “Ed Wood” de Tim Burton.

1º “Tres anuncios en las afueras” de Martin McDonagh

Perlas. “Tres anuncios en las afueras” llegaba con el mejor aval posible como era el del Premio del Público en el pasado Festival de Toronto. Allí lamentablemente se nos quedó descolgada (tenemos una gran habilidad para perdernos películas ganadoras) pero ahora nos hemos desquitado con dos horas de gran cine en las que Martin McDonagh se doctora después de las refrescantes propuestas humorísticas y criminales de “Escondidos en Brujas” y “Siete psicópatas”. En esta ocasión nos lleva a la lucha de una mujer por sacar las vergüenzas del cuerpo policial de su pueblo al que acusa de no haber hecho nada para esclarecer y encontrar al culpable de la violación y asesinato de su hija. Una mujer malcarada y amargada, que vive con esa pena interior transformada en rabia e indignación, y que está dispuesto por hacer todo lo posible para llegar hasta el final al margen de las consecuencias que pueda acarrear para su negocio, familiares y amigos. Una historia en la que se ofrece una brillante descripción de personajes, llenos de tonalidades grises, y en los que ninguno es bueno ni malo, sino que son tan complejos como los que conforman los de la propia vida plasmados en esa USA profunda desengañada y que baña sus penas en alcohol, partidas al billar o rodeos. Un guión fresco e intrigante, con unos diálogos y unas réplicas de matrícula y llenas de humor negro, son un material idóneo para un reparto conjuntado y en estado de gracia que bien podría merecerse el próximo SAG al mejor reparto. Y es que, aunque todo lo capitanee una Frances McDormand apabullante que hace estos papeles de mujer huraña y asocial con suma facilidad, no puede estar mejor un Sam Rockwell que por fin parece llegar con opciones a una carrera al Oscar en la que siempre ha sido un nombre muy infravalorado. Ese juguete roto, auspiciado por una madre enganchada a la tele y cuyos poros destilan tequila, que se hizo policía como pudo ser otra cosa cosa, y que baña de una fachada de odio y alcohol lo que en el fondo es un hombre noble que busca justicia. Un final en alto, tan quijotesco como abierto e impredecible, y la música de Carter Burwell que capta toda la esencia y atmósfera de la historia, redondean una de las mejores películas de largo que va dar el cine USA esta temporada.

Nacho Gonzalo