Conexión Oscar 2019: Las 30 películas que inician la carrera

Querido Teo:

Todavía en shock con los cambios que anunció la Academia a primeros de Agosto es el momento de reabrir esta sección que tanta vidilla nos da. La de la narración de una carrera al Oscar todavía virgen e inmaculada y en el que, a día de hoy afortunadamente, hay mucha incertidumbre y ningún favorito. Y es que hasta que no empiecen los festivales de otoño como Venecia, Telluride y Toronto no se empezarán a desvelar las claves de la carrera de la estamos hablando. ¿Habrá igualdad hasta el final como el pasado año o habrá una dominadora clara? ¿Volverán los Oscar a reencontrarse con la audiencia con una película de verdadero consenso entre crítica o público o volverán a fijarse en ese cine de historias mínimas y sobrias? A día de hoy, sólo sabemos que el próximo 24 de Febrero de 2019 tenemos una nueva cita con los Oscar. Hasta esa fecha una apasionante (intentaremos contribuir también a la emoción de la misma) temporada de premios que se inicia hoy.

1º “El blues de Beale Street” (Barry Jenkins)

El destino ha hecho que vuelvan a verse las caras dos años después Damien Chazelle y Barry Jenkins tras el inolvidable y bochornoso episodio de “el sobre” con el que incluso la Academia se quiso reír de sí misma cuando en la pasada edición volvió a invitar a Warren Beatty y Faye Dunaway para que entregaran el Oscar a la mejor película. Tras el introspectivo y evolutivo drama personal, emocional y racial que planteaba la modesta “Moonlight” (que se alzó con los Oscar de película, actor de reparto y guión adaptado), Barry Jenkins nos ha sorprendido para bien (al menos en el avance) con un drama de pareja con emoción a flor de piel en el contexto del Harlem de los 70 sobrevolando esa catarsis de revisionismo histórico sobre las penurias y lentos avances de la lucha afroamericana para ser tratados como ciudadanos usamericanos a todos los efectos.

El texto de James Baldwin publicado en 1974, y adaptado en solitario por el propio Jenkins, se centra en dos jóvenes, Clementine “Tish” Rivers y Alonzo “Fonny” Hunt, de 19 y 22 años, que encuentran en su relación la vía de escape a la cruda realidad del Harlem de aquellos años hasta que él es acusado de violación y tiene que someterse a la justicia y al racismo de la sociedad. Poco después ella descubre que está embarazada e inicia una lucha contrarreloj junto a su familia y su abogado por liberarlo antes de dar a luz. En la producción Annapurna Pictures y Plan B y la revelación que pueden suponer los jóvenes Stephan James y KiKi Layne aunque, seguramente, lo que se intuye de la interpretación de Regina King (como la madre de “Tish”) parece carne de nominación en actriz de reparto.

2º “First man” (Damien Chazelle)

Películas como “Gravity”, “Interstellar”, “Marte” y “Figuras ocultas” han vuelto a poner de moda en el cine algo muy habitual en el cine de los 90 como eran las películas sobre astronautas y la lucha de la carrera espacial. Salvo la cinta de Nolan todas ellas fueron nominadas al Oscar a la mejor película y parece bien encaminado para seguir la racha un Damien Chazelle que tras tocar el cielo de los Oscar, durante dos minutos pero sí conseguir un fenómeno cinematográfico al alcance sólo de los grandes, vuelve a la carrera al Oscar con "First man", una cinta en la que vuelve a contar con Ryan Gosling narrando la historia del hombre que dio el primer paso en la Luna, un Neil Armstrong fallecido en 2012 y del que será curioso ver como el director canadiense sorprende al espectador para que la película no caiga en el clásico biopic.

La cinta está protagonizada por Ryan Gosling, Claire Foy como la mujer de Armstrong, Corey Stoll, en el papel de Buzz Aldrin, Jason Clarke como Ed White, el primer estadounidense en realizar una caminata espacial muriendo dos años después en el fallo de una prueba espacial, o Kyle Chandler como Deke Slayton, coordinador de misiones de la NASA. También Jon Bernthal, Ethan Embry, Brian d’Arcy y Patrick Fugit. Lo que más le ha atraído de la historia a Damien Chazelle era adentrarse en el misterio que hay detrás de uno de los iconos del siglo XX, al ser el primer hombre en pisar la luna pero del que en cambio poco se conoce sobre su vida. Chazelle ha contado con su equipo habitual, con nombres como Justin Hurwitz en la música, Linus Sandgren en la fotografía, Tom Cross en el montaje y Mary Zophres en el diseño de vestuario.

3º “Ha nacido una estrella” (Bradley Cooper)

Bradley Cooper debuta tras las cámaras con el remake de "Ha nacido una estrella" a cargo de Warner Bros. El proyecto llevaba tiempo dando vueltas por Warner; incluso se barajó la posibilidad de que lo dirigiera Clint Eastwood y hasta se escucharon los nombres de Tom Cruise y Beyoncé para protagonizarlo. Y es que Clint se centró en “Jersey boys” para sacarse la espinita musical ante el embarazo de la cantante. Cooper produce la cinta junto a Jon Peters, Bill Gerber y Basil Iwanyk y también la protagoniza heredando el proyecto del propio Clint tras coincidir ambos en “El francotirador” y por la cual Cooper consiguió una de sus, hasta ahora, 3 nominaciones al Oscar.

La película está basada en la obra del mismo título de 1937 dirigida por William Wellman y protagonizada por Janet Gaynor y Fredric March y que cuenta la historia de una estrella de cine que ayuda a una joven actriz a subir al estrellato mientras que el alcoholismo y la edad van minando su propia carrera. El remake de Bradley Cooper es la tercera versión de la película original, ya que se volvió a rodar en 1954 con Judy Garland y James Mason bajo la dirección de George Cukor (probablemente la más célebre gracias a su formato musical) y una vez más en 1976 con Barbra Streisand y Kris Kristofferson a cargo de Frank Pierson. Salvo esta última versión las anteriores funcionaron bien en el tema de los Oscar y Cooper ya ha logrado que haya mucho interés en verle a él y a Lady Gaga a pesar de ser ya la cuarta versión (aquí más country, rockera y contemporánea) de la historia. En una época en la que a todos los niveles se vive con eso tan eterno del auge y caída de nuestros ídolos (y de nosotros mismos), ¿habrá llegado Bradley Cooper en el momento perfecto para ser un nuevo actor que termina convenciendo más a los Oscar como director? Los casos de Warren Beatty, Robert Redford, Kevin Costner, Mel Gibson y Ben Affeck ahí están como precedente.

4º “Infiltrado en el KKKlan” (Spike Lee)

Hace un par de años nadie nos hubiéramos imaginado el regreso de Spike Lee a una carrera al Oscar que sólo le ha tenido en cuenta como guionista por “Haz lo que debas” en 1990 y como productor del documental “Cuatro niñas” en 1998. Tan amortizada verían su carrera que hasta le dieron el Oscar honorífico en 2016. Spike Lee no fue el primer director negro en ser nominado al Oscar pero sí que podría ser el sexto, tras John Singleton, Lee Daniels, Steve McQueen, Barry Jenkins y Jordan Peele, gracias a una película por la que ya ha conseguido el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes.

El proyecto está basado en la historia real de Ron Stallworth, un detective de Colorado Springs, que logró capturar a miembros del Ku Klux Klan perteneciendo y escalando en la organización hasta ser presidente de una división de la misma sin que nadie sospechara en realidad su origen afroamericano, ya que él estaba en la sombra mientras en realidad se aprovechaba de un policía blanco que acudía por él a los encuentros y reuniones personales. John David Washington (hijo de Denzel) y Adam Driver dan vida a estos personajes en un reparto en el que también están Laura Harrier y Topher Grace.  Policiaco, buddy movie, thriller y denuncia social con Spike Lee rodando vigorosamente y en su salsa funcionando todo a un ritmo trepidante y sin miramientos en la trama de un agente infiltrado en el Ku Kux Klan en lo que termina siendo un golpe desde dentro de una manera entretenidísima con aire del cine detective de los 70 y el “blaxpoitation” que se plasma en todas las escenas musicales (atención a ese club en el que se lleva a cabo la celebración racial como si fuera una misa de domingo en Harlem) y de acción (la secuencia final) que tiene la película. A ello contribuye un montaje frenético y vistoso con Lee en pleno estado de forma

5º “Roma” (Alfonso Cuarón)

Era normal que después de algo tan ambicioso y absorbente como “Gravity”, y mientras los mexicanos han seguido dominando con claridad el apartado de mejor director desde que Cuarón ganara el premio en 2013, el director rodara algo más pequeño y catártico para él en un proyecto muy personal que le lleva a sus orígenes, el de una colonia obrera del México de los 70 en el que él fue adolescente.

Cuarón nos lleva a la colonia que da título a la película a través de la historia de dos mujeres, Cleo (Yalitza Aparicio) y Adela (Nancy García), que sirven a una familia de clase media marcada por una madre (Marina de Tavira) que saca a los suyos adelante a pesar de tener un marido ausente. Un homenaje a una generación de mujeres con las que gente como Cuarón se criaron por aquella época en un país de relaciones familiares solidarias, vecinales y muy de piel. Del avance sorprende un poderoso blanco y negro con escenas cotidianas pero muy cuidadas destacando que la fotografía corre a cargo del propio Cuarón y de Galo Olivares. Aun así, Cuarón no ha querido dejar de asumir un nuevo reto como es el rodaje de un episodio catártico para la Historia de México como fue “El Halconazo de 1971” o “La Matanza del Jueves de Corpus”, y que promete ser uno de los momentos más intensos de la película, en la que un grupo paramilitar se enfrentó a las revueltas estudiantiles de las calles saldándose con 120 muertos. Con un director de prestigio detrás (a la espera el año que viene de “El irlandés” de Martin Scorsese) puede ser el definitivo asalto de Netflix en la categoría de mejor película.

6º “Identidad borrada” (Joel Edgerton)

Uno de los títulos más esperados del año viene distribuido por Focus Features y con Joel Edgerton como director tras su sorprendente debut detrás de las cámaras con “El regalo”. Se trata de "Identidad borrada", basado en las memorias de Garrard Conley publicadas en 2016 sobre el hijo de un pastor de un pequeño pueblo en Arkansas que, tras confesar a sus padres su homosexualidad a los 19 años, fue enviado por éstos a un programa en el que, siguiendo 12 pasos y cumpliendo a pies juntillas los mandatos de la Biblia, se pretende erradicar esa tendencia sexual. Todo con el fin de seguir la que para sus padres es la buena senda y también para una comunidad que no haría más que marginarlo y denigrarlo. La historia real de la lucha de un hombre joven por encontrarse a sí mismo mientras es forzado a cuestionar cada faceta de su identidad rodeado de un entorno en el que no hay ni buenos ni malos, sino sólo gente que cree que hace lo correcto.

Ojo a los nombres que están inmersos en la cinta con Lucas Hedges (nominado al Oscar por “Manchester frente al mar”) como protagonista y Russell Crowe y Nicole Kidman como sus padres. En el reparto también estará el propio Edgerton como el terapeuta encargado de la terapia de conversión y el mismísimo Xavier Dolan en un papel secundario. Un título con mucho potencial de Oscar ante la fuerza de su historia real y unas interpretaciones que se presumen muy nominables.

7º “Beautiful boy” (Felix Van Groenigen)

“Beautiful boy” es la cinta que une a Steve Carell y Timothée Chalamet como padre e hijo que viven y sufren el mal de la droga y la adicción en el cuerpo del segundo y teniendo que luchar contra ese drama. Es lo nuevo del director belga Felix Van Groeningen (“Alabama Monroe”) que a buen seguro volverá a golpearnos el corazón con una dura historia familiar basada en las propias memorias de David y Nic Sheff que han sido adaptadas por Luke Davies (“Lion”) y que se centra en el dolor de un padre de ver como su hijo cae en el mismo pozo en el que él mismo estuvo a punto de ahogarse como adicto a las anfetaminas. Promete ser uno de los títulos de la temporada, heredero de los dramas familiares de los 80 como “Kramer contra Kramer”, “Gente corriente” o “La fuerza del cariño”, con dos actores en un momento envidiable; Steve Carell demostrando sus dotes dramáticas (y sorprendiendo en esta faceta en cintas como “Foxcatcher” o “La última bandera”) y un Timothée Chalamet que ha emergido como uno de los actores que más alegrías va a darnos en el futuro tras su recital en “Call me by your name” y el desparpajo demostrado en otros títulos recientes como “Miss Stevens” o “Lady Bird”. Les acompañan en el reparto Maura Tierney y Amy Ryan.

Groeningen ya nos dejó a todos K.O. con “Alabama Monroe”, nominada al Oscar de mejor película de habla no inglesa en 2014, y promete hacer lo propio con una cinta que viene de la mano de Plan B Entertainment que buscará conseguir una nueva nominación al Oscar de mejor película siguiendo los pasos de “Infiltrados” (2007), “El árbol de la vida” (2012), “Moneyball” (2012), “12 años de esclavitud” (2014), “Selma” (2015), “La gran apuesta” (2016) y “Moonlight” (2017).

8º “La favorita” (Yorgos Lanthimos)

Yorgos Lanthimos va abriéndose poco a poco camino tanto en el panorama cinéfilo como en el de los premios. Su inclasificable y personal estilo ha convertido al griego en uno de los directores más cotizados en los festivales y no olvidemos que “Canino” llegó a estar nominada en los Oscar representando a Grecia en 2011, haciendo saltar por los aires los cánones temáticos y de forma en esta categoría. Con “Langosta”, su primer proyecto con enjundia internacional, fue nominado al Oscar al mejor guión original en 2017 y ahora está ante una prueba de fuego adentrándose en la corte británica, algo que por otra parte encandila en Hollywood.

Escrita por Deborah Davis y Tony McNamara, se centrará en los primeros años del siglo XVII durante el reinado de Ana Estuardo (Olivia Colman), última monarca de la estirpe. Una lucha de poderes y egos, así como de maquinaciones y conspiraciones en busca del trono. Ana Estuardo fue reina de Inglaterra, Escocia e Irlanda desde el 8 de Marzo de 1702 y de Gran Bretaña e Irlanda desde el 1 de Mayo de 1707, hasta su muerte. Es por esto por lo que Ana se convirtió en la primera soberana de Gran Bretaña. Trata sobre todo del declive de la reina afectada por sus fantasmas y por un evidente deterioro psíquico que intentarán aprovechar dos mujeres para hacerse con el poder, una de ellas Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz), duquesa de Marlborough y confidente, que maneja con mano de hierro el día a día de palacio hasta la llegada de Abigail Masham (Emma Stone), una ambiciosa sirviente que además es prima de Sarah. La cinta, de marcado tono burlesco y sórdido, tiene otras de sus bazas en el vestuario de la ganadora de 3 Oscar Sandy Powell.

9º “María, reina de Escocia” (Josie Rourke)

Saoirse Ronan completa un gran año en el que le hemos visto protagonizar “Lady Bird” y “En la playa de Chesil”. Una actriz inteligente, selectiva y que ha sabido madurar con ademanes de actriz veterana y metódica a pesar de que sólo cuenta con 24 años. Muestra de ello será “María, reina de Escocia” en el que la actriz da vida a María Estuardo, personaje al que ya han prestado su rostro Katharine Hepburn, Vanessa Redgrave o Samantha Morton. Ronan (después de anunciarse hace ya varios años el proyecto) da vida a una figura clave dentro de la lucha de poderes en la Historia británica enfrentándose brutalmente a su prima Elizabeth I y quedando recluida en prisión hasta su muerte, decapitada, después de una vida llena de intrigas e infortunios.

Saoirse Ronan es la reina María Estuardo mientras que su prima está interpretada por Margot Robbie, dos actrices en buen momento y que precisamente compartieron categoría en la pasada edición de los Oscar. Ambos personajes históricos se enfrentaron por el trono de Escocia tras enviudar María a los 18 años y regresar a Escocia desde Francia (donde se había casado con el monarca protegiéndose de sus enemigos) para reclamar el que consideraba su trono legítimo en un ambiente marcado por las disputas entre católicos y protestantes. La directora artística teatral Josie Rourke, conocida por sus montajes de “Mucho ruido y pocas nueces” o “Las amistades peligrosas”, asume un reto cinematográfico para el que ha contado con Beau Willimon como guionista.

10º “La tragedia de Peterloo” (Mike Leigh)

"La tragedia de Peterloo" es el nuevo trabajo de Mike Leigh que apuesta por el drama histórico después de esa radiografía sobre la pareja otoñal a lo largo de un año en “Another year” (2010) y su minucioso retrato al óleo fílmico de “Mr. Turner” (2014). Nunca hay que subestimar al británico en la carrera al Oscar ya que atesora 7 nominaciones (2 como director y 5 como guionista) y “Secretos y mentiras” incluso llegó a estar nominada como mejor película en 1997.

Una cinta que se adentra en la historia de la Masacre de Peterloo de 1819, durante la cual las autoridades británicas atacaron a los manifestantes de una protesta pacífica en Manchester, una multitud de unas 60.000 a 80.000 personas, en una manifestación en la que se encontraban reunidos para solicitar la reforma de la representación parlamentaria. Murieron 15 personas y cientos de ellos fueron heridos ante el caos de una situación provocada por la presión generada ante las malas condiciones económicas, junto con la ausencia de sufragio en el norte de Inglaterra. El nombre de Peterloo se acuñó como un guiño a la batalla de Waterloo llevada a cabo cuatros años antes. La cinta está protagonizada por Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber y Christopher Eccleston.

11º “El vicio del poder” (Adam McKay)

Tres años después de que los Oscar convirtieran a “La gran apuesta” en uno de los títulos de esa temporada (5 nominaciones y el premio al mejor guión adaptado), el director se adentra en la narración política caustica y ácida desmontando los paradigmas del biopic con un retrato sobre el ex vicepresidente de Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, Dick Cheney, que eludió el servicio militar durante la Guerra de Vietnam, pero se convirtió en uno de los máximos propulsores de la invasión de Irak en 2003 con argumentos que se demostrarían falsos.

En el reparto encontraremos a Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Bill Pullman, Sam Rockwell y, por supuesto, muchos pelucones y maquillaje destacando también el cambio físico de Christian Bale para echarse 30 años y bastantes kilos encima para interpretar al político.

12º “Viudas” (Steve McQueen)

Steve McQueen, ganador del Oscar por “12 años de esclavitud”, regresa al cine con "Viudas" y que está basada en la serie de televisión británica “Las viudas”, emitida entre 1983 y 1985.

La película, protagonizada por Viola Davis, Elizabeth Debicki, Michelle Rodriguez y Cynthia Erivo, Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall y Lukas Haas, cuenta la historia de un grupo de viudas que acabarán el golpe que sus maridos no pudieron realizar por una traición que hizo que todos murieran. Dicho fracaso, propició que las viudas contrajeran una deuda enorme que tratarán de saldar terminando lo que sus maridos no pudieron. Una intriga criminal con tintes dramáticos del que habrá que ver si su tono convence a la Academia.

13º “La balada de Buster Scruggs” (Joel Coen y Ethan Coen)

Lo que surgió como una serie de televisión ha pasado a ser uno de los proyectos cinematográficos de la temporada y que se verá en la sección oficial del próximo Festival de Venecia. “La balada de Buster Scruggs” es el título de este proyecto protagonizado por un cowboy cantante de espíritu libre interpretado por Tim Blake Nelson. El rodaje tuvo lugar en Nuevo México y la fotografía corre a cargo de Bruno Delbonnel, nominado al Oscar por una cinta de los Coen como “A propósito de Llewyn Davis”, contando también en el reparto con James Franco, Zoe Kazan, Stephen Root y Ralph Ineson.

“Fargo”, “No es país para viejos” y “Valor de ley” tocaron en mayor o menor medida el género del western y también fueron las tres películas de los Coen que mayor calado tuvieron en los Oscar. Quizás esta balada vuelva a sonar afinada.

14º “¿Podrás perdonarme algún día?” (Marielle Heller)

Los fraudes siempre dan mucho juego en el cine y ese es el caso de “¿Podrás perdonarme algún día?” en la que Melissa McCarthy aborda un registro muy distinto al que nos tiene acostumbrados. En una cinta dirigida por Marielle Heller (“The diary of a teenage girl”) y coescrita junto a Jeff Whitty veremos como la escritora Lee Israel había basado su obra en plagiar cartas de grandes autores y artistas fallecidos con el fin de pagarse el alquiler. Cuando las falsificaciones empiezan a levantar sospechas, Israel roba y vende las verdaderas cartas de los archivos sin saber que el FBI está investigando el asunto.

Melissa McCathy ya consiguió una nominación al Oscar como actriz de reparto cuando se reveló al mundo con “La boda de mi mejor amiga” en 2012 y quedando encasillada en comedias gamberras, femeninas y de enredo. Quizás esta dramedia, en la que comparte protagonismo con Richard E. Grant, le devuelva a por lo menos estar presente en la conversación.

15º “Eighth grade” (Bo Burnham)

Las opciones de “Eighth grade” han sido aupadas por los gurús USA coincidiendo con el estreno este verano de la película en salas estadounidenses. Es de esperar que eso sea fruto de la poca conversación en materia de premios que han podido tener los voraces pronosticadores (si exceptuamos la cinta de Spike Lee o los coletazos del anuncio del Oscar a la película popular).

Kayla, una niña de 13 años, tendrá que lidiar con los terremotos de la adolescencia suburbana en la última semana de colegio, tras un año desastroso antes de empezar el instituto. La cinta pudo verse en el pasado Festival de Sundance con buenas críticas pero sólo un amor inusitado por parte de las Asociaciones de Críticos podría mantener viva la llama de esta opción que a buen seguro se verá eclipsada cuando lleguen los grandes títulos del año.

16º “El candidato” (Jason Reitman)

Hugh Jackman da vida al político Gary Hart en el nuevo drama de Jason Reitman del que hace sólo unos meses llegaba a España esa radiografía sobre la maternidad contemporánea y hastiada llamada “Tully”. Hart fue un político estadounidense que se presentó a la presidencia del país cuya campaña para 1988 se vino abajo tras unas revelaciones de relaciones extramatrimoniales. El guión está escrito por Matt Bai, Jay Carson (antiguo jefe de prensa de Hillary Clinton) y el propio Reitman.

Jason Reitman comenzó como uno de los grandes valores al alza del cine usamericano convirtiéndose en el director más joven en conseguir dos nominaciones al Oscar (“Juno” en 2008 y “Up in the air” en 2010) pero desde la debacle que sufrió la cinta protagonizada por George Clooney (una de las favoritas al principio de su temporada y que se fue de vacío) no ha vuelto a estar presente en la ceremonia.

17º “Destroyer” (Karyn Kusama)

Nicole Kidman vive un momento dulce y, además de con “Identidad borrada”, este año se encuentra en liza en la carrera con “Destroyer”, un thriller negro ambientado en Los Ángeles dirigido por Karyn Kusama, responsable de la interesante “The invitation”. La actriz interpreta a Erin Bell, una agente de policía de la ciudad de las estrellas que deberá dar caza al líder de un culto al que ella misma perteneció hace años, buscando a los miembros del culto uno a uno antes de enfrentarse con su líder y plantarle cara al pasado.

Del guión se encargan Phil Hay y Matt Manfredi, guionistas de “The invitation”, película con la que tiene algún punto en común. En la primera imagen de la película vemos que en la productora se van a centrar en las posibilidades de la australiana destacando su cambio físico que muestra a una mujer maltratada por la vida.

18º “El regreso de Ben” (Peter Hedges)

“El regreso de Ben”, al igual que “Beautiful boy”, cuenta en cierta manera la degradación de un hijo por su adicción a las drogas. En este caso es una madre coraje que pelea por mantener a flote a su familia cuando su hijo de 19 años regresa a casa por Navidad con claras muestras de su enganche a estas sustancias. Peter Hedges encara su cuarta película como director (ya en “Retrato de April” o “Como la vida misma” se ha adentrado en relatos descarnados sobre la familia) escribiendo también una cinta protagonizada por Julia Roberts (también productora y volviendo a ser una madre abnegada como la de “Wonder”), Lucas Hedges y Courtney B. Vance.

Un drama familiar que se basará en las posibilidades de Lucas Hedges (doble baza en actor protagonista teniendo en cuenta sus opciones por “Identidad borrada”) y una Julia Roberts que podría lograr su quinta nominación, la última fue como actriz de reparto por “Agosto” en 2014.

19º “The old man & the gun” (David Lowery)

A sus casi 82 años Robert Redford sigue apareciendo de manera periódica en un buen número de películas destacando, entre otras, el protagonista casi silente que encarnó como viejo lobo de mar en “Cuando todo está perdido” (2013), y que incluso le llevó a estar presente en la conversación para los Oscar 2014 quedándose a las puertas de la que hubiera sido su segunda nominación al premio como mejor actor tras la conseguida por “El golpe” en 1974.

Ahora encabeza el reparto de “The old man & the gun” de David Lowery (que ya le dirigió en “Peter y el dragón”) en la que se narra una historia real, la de Forrest Tucker, un ladrón de bancos que pasó la mayor parte de su vida en la cárcel o intentando escapar de ella. De hecho, logró fugarse en 18 ocasiones y cometió su último atraco en el año 2000 cuando tenía 80 años. Lowery se encarga también del guión adaptando el artículo de The New Yorker de 2003 escrito por David Grann. En el reparto le acompañan Sissy Spacek, como una mujer que se queda prendada de él, Casey Affleck, el detective que le sigue los pasos, así como Elisabeth Moss, Tika Sumpter, Danny Glover, Tom Waits y Keith Carradine. Con el anuncio de la retirada del mítico actor, ¿tendrá su canto del cisne en los Oscar?

20º “Black Panther” (Ryan Coogler)

Los mismos que pronosticaron que “Wonder Woman” rompería las barreras del cine de superhéroes en los Oscar repiten jugada por la pertinencia que supondría ver a “Black Panther”, por su éxito en taquilla y crítica y también el triunfo que supone para los afroamericanos en el sistema de Hollywood, entre las candidatas pero, si ya tenía pocas opciones, la creación del Oscar a la película popular le llevaría, como mucho, a ese apartado para el que ahora parece destinada.

“Black Panther” es una más dentro del amplio universo de Marvel con un buen número de críticas positivas a su favor pero que conviene rebajar como siempre ya que no es oro todo lo que reluce. Aunque lo mejor es su analogía con la historia de los negros a lo largo de las décadas en Estados Unidos, con referencias claras a su cultura y a episodios claves en la Historia marcada por la esclavitud y la lucha por avanzar en los derechos civiles, lo que le da una dimensión de realidad universal que va más allá de la acción comercial, el reino de Wakanda parece enfocado, como mucho, a alguna mención en las categorías de sonido.

21º “El regreso de Mary Poppins” (Rob Marshall)

Disney no consigue una nominación al Oscar a mejor película, sin ser película de animación como “La bella y la bestia”, desde que en 1965 la cinta de Robert Stevenson ganara 5 Oscar entre sus 13 nominaciones. “El regreso de Mary Poppins” se basa en otro de los libros de la serie de novelas sobre Mary Poppins que escribió P.L. Travers, y cuya historia sobre la adaptación que llevó a cabo Disney hace más de cincuenta años pudimos disfrutar en la estimable “Al encuentro de Mr. Banks” que, por otro lado, en su momento sólo consiguió la nominación a mejor música.

La cinta se ambienta en los años 30 del siglo pasado, en un Londres marcado por la Depresión, con unos crecidos Jane y Michael Banks siendo los tres hijos de éste (marcado por una importante pérdida) los que reciben la visita de una Mary Poppins dispuesta a hacer recobrar la alegría a la familia. Se presume un éxito para las próximas Navidades y habrá que ver si Emily Blunt mantiene el nivel respecto la inolvidable Julie Andrews, si Lin-Manuel Miranda roba las escenas y si el nivel de las canciones Marc Shaiman y Scott Witman (“Hairspray”) están a la altura de las composiciones de los hermanos Sherman.

22º “Outlaw king” (David Mackenzie)

El equipo de “Comanchería” está de vuelta después de que nadie se imaginara, cuando se exhibió en una de las secciones paralelas del Festival de Cannes 2016, de que la cinta iba a llegar hasta los Oscar contando con 4 nominaciones incluyendo la categoría de mejor película. Netflix ha contado con David Mackenzie como director y guionista, así como con Chris Pine como protagonista, en un drama de época llamado "Outlaw king" ambientado en Escocia sobre el monarca Roberto I y su batalla contra el imperio inglés de Eduardo I durante la Guerra de la Independencia y el conflicto entre los miembros de su pueblo. Tras una cruenta derrota en la batalla de Methven, Roberto I huye con algunos de sus más leales caballeros preparando su vuelta meses después para reclamar lo que es suyo.

Aaron Taylor-Johnson, Florence Pugh, Tony Curran, Stephen Dillane y Billy Howle completan el reparto de un proyecto que pretende suponer un salto cualitativo para el canal en lo referente a su producción cinematográfica. Netflix va a por todas con una cinta que abre el Festival de Toronto y que es la secuela temporal de lo que contaba “Braveheart”.

23º “Green book” (Peter Farrelly)

Peter Farrelly se aleja de su hermano y de la comedia noventera gamberra y vuela solo con un tamiz más dramático y sobrio en "Green book", cinta que también escribe y que podrá verse en el próximo Festival de Toronto. En ella un rudo italoamericano de clase trabajadora (Viggo Mortensen) se convierte en el chófer de un refinado pianista afroamericano (Mahershala Ali) en la década de 1960 en el sur de Estados Unidos.

Una road movie sobre una improbable amistad de dos personas que se van conociendo a sí mismos y también al país que les rodea marcado por la diferencia de clases y los prejuicios raciales. Habrá que ver el tono que adopta un director en su paso al cine serio y sí las interpretaciones de los actores dan para nominación.

24º “La buena esposa” (Björn Runge)

"La buena esposa" fue la clausura del Festival de San Sebastián 2017 (tras su paso por Toronto) y allí veíamos a una estupenda Glenn Close en uno de sus mejores trabajos en años. Una cinta perfectamente medida, austera y teatral en lo formal, pero que se centra en un matrimonio que lleva 40 años de casados y que recibe la noticia de que el marido, Joe Castleman, ha recibido el Premio Nobel de Literatura. Ese anuncio y el viaje y protocolo marcado del viaje a Suecia para recoger ese galardón estará marcado por la revolución sentimental de la mujer, Joan, que se cuestiona hasta qué punto ha estado a la sombra de su marido enriqueciendo el talento de él mientras ella ha sacrificado muchas cosas en su vida sobre todo a nivel profesional. Jane Anderson (ganadora del Emmy por “Olive Kitteridge”) adapta la novela de Meg Wolitzer que ha sido dirigida por el sueco Björn Runge.

Sony Pictures Classics se guardó este as en la manga para la carrera de premios de 2019, ante la gran competencia femenina que ya había prevista para este pasado año, y ha estrenado la cinta este mes de Agosto con la intención de que Close (nominada en 6 ocasiones al Oscar) cuente en la carrera de premios. Jonathan Pryce, Max Irons y Christian Slater acompañan a la actriz en esta cinta que gracias a ella es un fino ejercicio de estilo para una protagonista que se mueve, en su madurez, entre la revelación y la rebeldía no dispuesta a quedar en la sombra.

25º “Bohemian Rhapsody” (Bryan Singer y Dexter Fletcher)

A pesar de todo lo que ha rodeado a “Bohemian Rhapsody”; problemas con los productores, cambio de los inicialmente previstos Sacha Baron Cohen primero y Ben Whishaw después, y el despido de Bryan Singer en pleno rodaje siendo sustituido por Dexter Fletcher, un biopic sobre la figura de Freddie Mercury tiene la vitola de película candidata a todo aunque este maremágnum no sea el mejor aval.

La cinta plasma el meteórico ascenso al olimpo de la música de la banda a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid de 1985, en la que Mercury, mientras sufría una enfermedad que amenazaba su vida, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la Historia. Rami Malek es la mejor opción de la cinta ante el reto que supone interpretar a todo un icono de la música del siglo XX.

26º “Van Gogh, a las puertas de la eternidad” (Julian Schnabel)

Willem Dafoe se quedó a las puertas del Oscar a mejor actor de reparto por “The Florida project” pero Sam Rockwell terminó emergiendo en la carrera como un ciclón llevándose todos los premios importantes en esa categoría. Ahora podría volver a tener otra oportunidad con “Van Gogh, a las puertas de la eternidad” que es el nuevo trabajo de Julian Schnabel, nominado al Oscar como mejor director en 2008 por “La escafandra y la mariposa”.

La cinta cierra el próximo Festival de Nueva York y relata la estancia del pintor Vincent Van Gogh (1853-1890) en Arlés (Francia).

27º “En los 90” (Jonah Hill)

Jonah Hill pasa a ser desde ya otro actor que lo intenta como director y que echa la vista atrás bañada de nostalgia en “En los 90” en la que se centra en Stevie, un chico de 13 años que vive en el Los Ángeles de los años 90 y pasa el verano lidiando con los problemas de su vida doméstica y viendo a su nuevo grupo de amigos que ha conocido en una tienda de skate.

Una cinta que escribe el propio actor y que nos lleva a antes de ayer para demostrar, después de conseguir 2 nominaciones al Oscar como mejor actor de reparto, que Jonah Hill dejó de ser hace tiempo el regordete de “Supersalidos” rodando una historia con verismo y suciedad suburbana. De la música se encargan Trent Reznor y Atticus Ross y en el reparto encontramos a Sunny Suljic, Lucas Hedges y Katherine Waterston.

28º “Un lugar tranquilo” (John Krasinski)

"Un lugar tranquilo" sigue la senda del nuevo cine de terror psicológico con hondura reflexiva como han demostrado “La bruja”, “The Babadook”, “It follows” o “Déjame salir”. En esta ocasión vemos como una familia tiene que convivir recluida en una cabaña dejando de lado el sonido ya que el silencio es lo que les lleva a una tensa calma que les permite quedar fuera de peligro, ante la complejidad que ello supone cuando hablamos de una familia compuesta por un padre, una madre, dos niños y un bebé que está por venir. Es muy curiosa la textura sonora que logra la película a pesar de que su alma es el silencio y gran parte del metraje sea mudo, pero el director lo resuelve con acierto y en ningún momento la cinta crea letargo dejándote permanentemente activo entreteniendo y haciendo sufrir con una tensión que nace de cualquier acción cotidiana ante la peculiaridad de la amenaza que tiene esta familia sobre ellos en todo momento. Un gran acierto de John Krasinski que ha sorprendido con esta película que ha conseguido entusiastas críticas en el primer semestre del año.

Angustia y claustrofobia en todo momento para unos personajes desconectados de la sociedad en un entorno apocalíptico y silente con guiños al cine mudo y con golpes de efecto bien dosificados que encierran una gran verosimilitud como principal acierto. El guión es obvio en algunos momentos pero lo mejor es cómo sabe captar ese drama familiar desesperado por la preocupación de los progenitores de no poder proteger a sus hijos que debieran ante la particular situación que están viviendo.

29º “Hereditary” (Ari Aster)

"Hereditary" también ha llenado de comentarios muy positivos sus críticas por su mezcla de ola del nuevo cine de terror con referencias a clásicos como “El exorcista”, “La semilla del diablo” y “El resplandor” e incluso a alguna cinta reivindicable y menos conocida como “Amenaza en la sombra”. Un drama familiar pasado por el prisma del suspense gótico a partir de la muerte de la abuela de la familia y un pasado oculto pero que reaparece para dinamitar la tranquilidad de los protagonistas. Ari Aster domina, a pesar de ser una ópera prima, una cinta que llega a la excelencia en atmósfera y tensión con terror intimista marcado por los chasquidos, el amamantamiento y una particular herencia que parece inherente de generación en generación ante el sufrimiento de la pérdida y de convertir una aparente tranquilidad en el desconcierto paranormal que se abre a sus ojos auspiciado por un aquelarre que deja claro que siempre es mejor dejar tranquilos a los muertos.

Ritmo sobrio, eficaz y progresivo la cinta se mueve como un mal sueño entre mente y espacio, realidad y fábula, en el que deambulan los protagonistas con minuciosidad tal como las criaturas que crea en forma de figuras dominantes una Toni Collette en uno de sus mejores trabajos acompañada por Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro y Ann Dowd. Un gran debut de Ari Aster que basa sus opciones en el guión y en la interpretación de la actriz nominada al Oscar por “El sexto sentido”.

30º “Ad Astra” (James Gray)

Poco se sabe todavía de la película de James Gray y sí llegará a tiempo para esta temporada pero en algún momento tiene que llegar la oportunidad para un director de culto crítico pero que todavía tiene que explotar a nivel de premios. La película, cuyo título significa literalmente “hasta las estrellas”, nos contará la historia de Roy McBride, un ingeniero de las fuerzas especiales que se embarca en un viaje a través de la galaxia para descubrir la verdad sobre su padre, desaparecido en el espacio 20 años atrás y dado por muerto, aunque existen especulaciones de que se encuentra viviendo en una estación abandonada en un lejano planeta y podría suponer una amenaza para todo el universo.

Escrita por el propio Gray, con reminiscencias a esa joya olvidada de Disney titulada “El abismo negro” y con elementos de la ciencia ficción más pulp, la propuesta puede resultar de lo más interesante después de su infravalorada “Z, la ciudad perdida”. Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga y Donald Sutherland protagonizan.

Nacho Gonzalo