Conexión Oscar 2018: Las 15 mejores interpretaciones del Festival de Toronto

Querido Teo:

Toca ir haciendo balance de un Festival de Toronto fructífero e intenso en el que se han podido ver buena parte de los títulos que van a dar mucho que hablar en la próxima temporada de premios. Toca hablar de las interpretaciones más destacadas que hemos podido ver en el certamen canadiense, auténtico trampolín para las películas que pretenden hacerse un hueco en los Oscar. Algunos de estos trabajos tendrán mucha presencia en la temporada de premios pero otros quedarán diluidos, de manera injusta, y es un buen momento para reivindicarlos y dejar constancia de ellos. 15 interpretaciones por las que el Festival de Toronto nos ha hecho sentir grandes sensaciones y emociones en esa burbuja tan gozosa y disfrutable que es este gran mercado cinematográfico.

15º Billy Howle (En la playa de Chesil)

En su primer protagonista en cine, habiéndole visto en la última versión en miniserie de “Testigo cargo” o como uno de los oficiales de “Dunkerque”, el británico Billy Howle es en "En la playa de Chesil", adaptación de la novela de Ian McEwan, una mezcla entre Domhnall Gleeson y Eddie Redmayne como héroe romántico torturado en una luna de miel que será muy diferente a la que él pensaba. En una película mucho más profunda y psicológica de lo que cabría esperar, estamos ante un drama romántico en el que las oportunidades perdidas, las cargas emocionales del pasado y un Reino Unido en transición (entre el clasicismo heredero de la época victoriana y los nuevos aires representados entre otros por The Beatles) llevan el peso de una historia en la que tanto Howle como Saoirse Ronan llegan al espectador dejando hondura emocional como ese joven matrimonio que, quizás, se dejó llevar por los convencionalismos sociales de lo que les tocaba hacer sin, en realidad, escuchar a su corazón. Dos epílogos que suponen dos saltos en el tiempo de la trama principal (desarrollada en el hotel en el que la pareja pasa su luna de miel) no hacen otra cosa que golpearnos en el corazón y que quede un reposo de añoranza de lo que fue, lo que es y lo que pudo ser.

14º Garrett Hedlund (Mudbound)

A pesar de que su carrera parecía que iba a quedar tocada con el fracaso de “Tron: Legacy”, película por la que le conocimos y que llevaba al extremo el calificativo de soso, Hedlund ha ido construyendo sin hacer ruido una carrera muy interesante con títulos variados y arriesgados que se han alejado de los convencionalismos del cine de superhéroes o de galán romántico de sobremesa para lo que parecía abocado. Aunque en “Mudbound” parece que la atención de los premios se centrarán (si la hubiera) en Jason Mitchell, Hedlund está perfecto como ese soldado que vuelve de la guerra a una familia de la América profunda que vive en un resentimiento y un racismo congénito que arrasa con cualquier atisbo de amistad o confianza que pueda haber entre razas. A Hedlund le vemos sobre todo como un alma rota al que han truncado sus sueños de juventud y que llega como una traumatizada víctima del conflicto en permanente dirección hacia el vacío bañado de alcohol y frustración.

13º Richard Jenkins (La forma del agua)

No descubrimos ahora el gran talento de un Richard Jenkins siempre impecable y que logró llegar a los Oscar como actor protagonista por “The visitor”. Guillermo del Toro le regala un papel jugoso y agradecido como el vecino (y principal mentor y cómplice) de la protagonista encarnada por Sally Hawkins. Amante de los musicales, sin suerte en el amor, atiplado y preocupado por su aspecto físico (lo que le lleva a usar peluquín), Jenkins construye un personaje emotivo, tierno y con una gran carga de humor ligero que le convierte en el robaescenas de la película. Ganador del Emmy por su trabajo en “Olive Kitteridge”, sólo queda que los Oscar vuelvan a fijarse en él lo que sería bastante posible si la cinta del mexicano sigue ganando fuerza en la carrera.

12º Charlie Plummer (Lean on Pete)

Una mirada a la USA suburbana de caravanas, barrios residenciales y desesperanza generalizada a través de una premisa casi dickensiana con un huérfano de 15 años abandonado por su padre que inicia un camino hacia la supervivencia y la motivación personal que le llevará, entre otros, al mundo de los rodeos y de la cría de caballos en búsqueda de su tía con la que buscará formar parte de un nuevo hogar. El joven Charlie Plummer se echa la película a sus espaldas como ese joven descarriado y sin esperanza que encuentra en un caballo y su cuidador el principal aliciente para salir adelante. Premiado como el mejor intérprete revelación en el Festival de Venecia, Plummer aporta toda la vulnerabilidad y espíritu de supervivencia de una joven alma errante por los caminos de esa usamericana tan reconocible pero tan oculta de los grandes focos marcada por la miseria, el racismo y la violencia.

11º Rachel McAdams (Disobedience)

“Disobedience” es la segunda película que presenta esta temporada Sebastián Lelio, el director de “Gloria”, junto a “Una mujer fantástica”, la representante chilena para los próximos Oscar. En esta cinta sobria y algo angustiosa que da altavoz y visibilidad a esos ritos de la iglesia ortodoxa y al peso de la tradición como telón de fondo, Lelio presenta un triángulo amoroso que no sería lo mismo sin un guión que despista al espectador (la película se desarrolla de una manera completamente distinta a lo que parece apuntar en su primera media hora) y unos actores que pocas veces han estado mejor, señalando especialmente a una Rachel McAdams que se gradua como gran intérprete a través de sus silencios, miradas y silencios en un personaje contenido pero que no necesita de aspavientos para mostrar al espectador que es una prisionera de su propia relación. Una mujer insatisfecha que nada en la apariencia en el que es un viaje sin retorno. No será tenida en cuenta de cara  los premios, pero una de las sorpresas de este certamen ha sido comprobar el salto interpretativo que ha dado la actriz de “Chicas malas” y “Spotlight”.

10º Andrew Garfield (Una razón para vivir)

En “Una razón para vivir” encontramos una historia de bonhomía y esperanza frente a la adversidad, ya que no se mete en terrenos de dramas y llantos, y garantiza terminar empatizando con ella, a pesar de correr el riesgo de ser destrozada por ese tono naif y demasiado almibarado en la relación entre los personajes que se vuelcan para que el protagonista, un enfermo de polio, no pierda ni un momento la sonrisa. Andrew Garfield se luce tanto en el aspecto carismático y encantador del joven como en su evolución de la enfermedad; a través de la degradación que se nota tanto en su aspecto físico como en la voz. Una historia que no puede ser más honesta en lo que es y que no es otra cosa que demostrar el ánimo y el espíritu de lucha de un hombre ante la adversidad de una manera vitalista y emocional. En ello Garfield cumple con creces con un personaje siempre alegre y que contagia optimismo a pesar de vivir encadenado desde muy joven a una silla y a un respirador. Aunque se ve el intento de Andrew Garfield de marcarse un Eddie Redmayne con “La teoría del todo”, el actor sigue hacia arriba en su carrera tras “Silencio” y conseguir su primera nominación al Oscar por “Hasta el último hombre”.

9º Judi Dench (La reina Victoria y Abdul)

Stephen Frears ha vuelto a apostar por caballo ganador como ya hizo con Helen Mirren, Meryl Streep y ahora, de nuevo, con una Judi Dench que retoma el papel de la reina Victoria que ya le reportó su primera nominación al Oscar por “Su majestad Mrs. Brown”. La película explora la relación de confianza y complicidad a través de un personaje que supone un soplo de aire fresco para la hastiada y cansada reina que, ante el peso de la corona y los protocolos, ve como su poder se vuelve en contra de ella siendo un instrumento tanto de su pueblo como de los suyos; especialmente una corte real que no quiere perder su estatus de poder y más con la llegada de un hindú como asesor real cuando la India todavía era colonia del gran imperio británico. Quizás se pase de caricaturesca, aunque sea de manera muy didáctica, contando esos tejemanejes de las personas que rodeaban a la reina y especialmente los movidos por su hijo que, tras la muerte de la reina en 1901, sería coronado como Eduardo VII. Judi Dench  denota maestría y sensibilidad mostrando a una reina tan caprichosa y dogmática como vulnerable, hastiada y víctima de las obligaciones de un cargo tendente a la rigidez anacrónica en una película tan almibarada como amable y profundamente afectiva.

8º Emma Stone (La batalla de los sexos)

Jonathan Dayton y Valerie Faris siguen confirmando con “La batalla de los sexos” que tienen tomada la medida al público con una película de ritmo endiablado desde el punto de vista dialéctico y que coge un hecho real para arrojar un mensaje reivindicativo, todavía a día de hoy, y con un punto emocional que termina entrando muy bien al espectador. La película es una comedia deportiva y reivindicativa que adapta la historia real del partido de tenis en el que se enfrentaron la jugadora número 1 en 1973, Billie Jean King, y el ex campeón Bobby Riggs. Un hecho que sirvió para que se avivara el debate sobre el distinto rasero con el que se valora a las mujeres y a los hombres. Un “crowd pleaser” efectivo, emotivo y épico que, al igual que “Figuras ocultas” el año pasado, reivindica de forma tan amable como atractiva para el espectador el modo de abrirse paso en un mundo de hombres. Emma Stone mantiene una vez más esa luz propia que logra irradiar a cada personaje que interpreta, sea de la época que sea y del registro que adopte.

7º Hong Chau (Una vida a lo grande)

“Una vida a lo grande” está condenada a ser una de las películas que más división generen este año entre los que la amarán y los que le parecerán una patochada pseudonaturista en el que su mezcla de géneros ofrece momentos tan sugerentes como demenciales. En un amplio reparto, lleno de rostros conocidos que se quedan en algunos casos en meros cameos, destaca la desconocida Hong Chau que eleva la película sobremanera en su segunda mitad. Logra hacerse con el espectador por el desparpajo, inocencia y seguridad de su personaje que acaba siendo la guía del de Damon por ese nuevo mundo y, sobre todo, por esa nueva realidad que, por otro lado, es la que le ayudará a conocerse realmente a sí mismo como es. Chau se lleva los mejores momentos de la película con un personaje que funciona como robaescenas con registro cómico y también poseyendo un arco dramático y romántico con algunos primeros planos que ante la pureza de su mirada la convierten en favorita instantánea al próximo Oscar de actriz de reparto.

6º Melissa Leo (Novitiate)

“Novitiate” es una nimiedad que pretende ser mejor de lo que es realmente en esta especie de cruce entre “Las vírgenes suicidas” y “Las hermanas de la Magdalena” que, por otro lado, bebe más del cine europeo más de autor que de la habitual película convencional usamericana tratando temas espinosos y cuestiones a debate en esa congregación que comanda con mano de hierro Melissa Leo bordando ese papel de reverenda madre que, ante una dulzura gélida aparente inicialmente, encierra en su haber toda una tirana con ademanes casi militares y manipuladora de la débil psique de su rebaño de la fe. Especialmente verla en las reuniones con las novicias, pidiendo a Dios despatarrada en el pie de un altar, o en una escena entre sollozos con el resto de monjas de su congregación, provocan que Melissa Leo esté en su show y se merezca una nominación al Oscar como mejor actriz de reparto aunque el estar en una película pequeña y de estructura débil le vaya a restar posibilidades tanto en la difusión como a la hora de despertar unanimidad a su favor.

5º Margot Robbie (Yo, Tonya)

El salto sin red de Margot Robbie se llama “Yo, Tonya”, cinta que ha dirigido Craig Gillespie (“Lars y una chica de verdad”) y que ella misma produce con el fin de tomar el rumbo de su carrera antes de que, tras ser la revelación de “El lobo de Wall Street” o “Escuadrón Suicida”, Hollywood la convirtiera en su nueva “it girl” o una simple actriz florero. Robbie demuestra su inteligencia y riesgo con una película nada fácil que, a pesar de tener complicada su distribución, consigue una rareza de esas que se convierten de culto y dan estatus como actriz. Un vibrante falso documental con estética choni y de VHS en el que los personajes hablan a cámara para comentar todo lo relacionado con Tonya, sus primeros pasos en el mundo del patinaje, su ambición y carácter, la relación con su marido, su madre y su entrenadora, o el incidente que terminó acelerando su rápido ocaso con la opinión pública y la justicia en su contra. Margot Robbie capitaliza una trama vibrante y real que desmonta todos los convencionalismos con  un tono afeado underground, una playlist perfecta a la hora de reflejar la época, y el desarrollo psicológico de sus personajes en el que vemos la podredumbre moral ante la ambición mal entendida que genera cualquier competición para personajes que basan su vida y su éxito en derribar al otro más que conseguir la gloria por sus propios méritos.

4º Allison Janney (Yo, Tonya)

Respetadísima actriz televisiva, ganadora de 7 premios Emmy por “El ala oeste de la Casa Blanca”, “Masters of sex” y “Mom”, Janney todavía no había encontrado su gran papel cinematográfico siendo, hasta ahora, la secundaria anecdótica que quedaba en un segundo plano por (la mayoría de las veces) un gran reparto coral con el que competía en atención. En “Yo, Tonya” la actriz da vida a la descastada madre de la protagonista, un personaje que es todo un bombón interpretativo tanto por su caracterización como por sus réplicas y el humor negro de una interpretación que, en cierta medida, recuerda a la Mo´nique de “Precious” por la violencia psicológica hacia su hija. En cada calada y mirada vemos su resignación y reproche por una vida difícil condenada al extrarradio y con una hija a la que sólo quiere exprimir como gallina de los huevos de oro. Con una buena campaña, el Oscar puede ser suyo al ser una interpretación tan vistosa como impactante.

3º Timothée Chalamet (Call me by your name)

La sensación del despertar iniciático llevada de una manera orgánica y perfectamente reconocible para todo aquel que ha vivido ese verano de revolución hormonal y que termina definiendo la personalidad de ahí en adelante. Es lo que le pasa a Elio, un adolescente de 17 años, en sus vacaciones veraniegas en una casa de la Riviera italiana a la que llega un invitado de sus padres, un joven de 24 años estudiante de la cultura griega con aire de despreocupado “bon vivant” que acabará revolucionando a todos los niveles a Elio en un viaje emocional y físico en el que se descubrirá a sí mismo en su manera más auténtica en unos días de chapuzones, verbenas con los amigos, experiencias sexuales y esa cierta sensación de necesario reposo y modorra que da el calor del verano que parece crear un microcosmos de irrealidad respecto a la rutina diaria pero que termina siendo un “carpe diem” inolvidable. La interpretación de Timothée Chalamet es tan auténtica como expresiva, haciéndonos creer a ese joven con las hormonas revolucionadas en un verano que supondrá un punto de inflexión en su vida y salto definitivo a la edad adulta a lo que contribuye su química con Armie Hammer. Al actor de 22 años le descubrimos en la segunda temporada de “Homeland” y sólo ha hecho confirmar las buenas sensaciones que despertó allí. Podría convertirse en el tercer actor más joven en ser candidato al Oscar como protagonista (tras Jackie Cooper con 9 años y Mickey Rooney con 19) y, si te queda alguna duda tras ver la película, sólo como mantiene el primer plano final le haría merecedor de todos los premios.

2º Gary Oldman (El instante más oscuro)

A pesar del exceso que tenemos de Winston Churchill en la pantalla, con actores como Brendan Gleeson, Timothy Spall, Brian Cox o John Lithgow, hay que reconocer que el personaje es muy agradecido por cualquier actor tanto por el calado político e histórico de su figura como por su parte más excéntrica de ese viejo gruñón considerado padre de la nación británica durante el siglo XX. Gary Oldman no puede estar más brillante en un personaje en el que su excesividad habitual se convierte en virtud (nunca termina siendo paródico) en una interpretación que es puro “Oscar clip” y que se aleja de su nimiedad gestual en “El topo” pero al que imprime una humanidad brutal en escenas como la del metro teniendo un improvisado encuentro con una serie de personajes que son reflejo de ese país al que levanta sobre sus espaldas en días difíciles en plena II Guerra Mundial ante la amenaza nazi mundial. La cinta apuesta por los espacios cerrados y las políticas y conversaciones de despacho, un arma muy teatral que sólo hace magnificar la dominadora encarnación que hace del personaje un actor que ha salido de Telluride y Toronto como gran favorito (si no lo era ya) para el Oscar.

1º Sally Hawkins (La forma del agua)

La interpretación más sorprendente y rotunda que hemos visto no hace más que confirmar el talento para transmitir y emocionar de una Sally Hawkins que ya ha demostrado su potencial en títulos como “Happy, un cuento sobre la felicidad”, “Blue Jasmine” o “Maudie”. Hawkins brilla en la historia de esta conserje muda e inadaptada, que recuerda a la Amélie Poulain de la película de Jeunet evocando también a otras cintas como “La mujer y el monstruo”, “La bella y la bestia”, e incluso a películas musicales clásicas a las que rememora debido a la pasión de dos de sus personajes por las mismas. Una dirección exquisita que cuida los detalles al máximo y que, partiendo de la historia de una chica inadaptada, pasa por una fábula e incluso se atreve a denunciar la precariedad del sistema laboral y meter una secundaria pero intrigante historia de espionaje en esos años de una USA que veía comunistas hasta debajo de la alfombra. A ello contribuye un reparto en estado de gracia con una Sally Hawkins mayúscula que demuestra que no necesita de palabras para transmitir una gama de emociones que van del desvalimiento a la picardía y que sólo están al alcance de las más grandes incluso homenajeando en algunos momentos a las actrices del cine mudo como esa escena en la que incluso imita los pasos de Shirley Temple en "La pequeña coronela". Ver esa determinación e inocencia ante la incipiente relación de atracción y curiosidad que mantiene con el anfibio es el motor emocional de la cinta y no puede hacer otra cosa que nos levantemos para aplaudirla.

Nacho Gonzalo