Conexión Oscar 2017: Las películas musicales que ganaron el Oscar

Querido Teo:

Ya nadie parece dudar del triunfo de “La la land” en los próximos Oscar en pleno “momentum” con su estreno en España y el buen promedio en la taquilla USA que sólo puede derivar en un positivo boca-oreja que le haga tener un buen trimestre en salas con todo el efecto Oscar de por medio. La cinta de Damien Chazelle sería la 11ª película musical en ganar el Oscar, un género característico de Hollywood pero que ha tenido una suerte desigual a nivel de premios siendo “Los miserables” la última película que consiguió la nominación a mejor película algo que en lo que llevamos de siglo sólo lograron también “Moulin Rouge!” (con toda la revolución que supuso en su momento) y “Chicago” (que era el primer musical en ganar el Oscar desde 1969). “El fantasma de la ópera”, “Los productores”, “Dreamgirls”, “Sweeney Todd”, “Hairspray”, “Nine” o “Into the woods” no pudieron (a pesar de las intenciones que tenían la mayoría de ellos) volver a reverdecer a nivel de premios el musical; algo que va a lograr una cinta que tira de nostalgia del mejor Hollywood clásico, adaptándolo a nuestros tiempos, sin oler a naftalina y sin la necesidad de adaptar ningún espectáculo de Broadway.

“La melodía de Broadway” (1930)

1 Oscar. 3 nominaciones. Era la segunda edición de los Oscar y el considerado el primer gran musical de la Historia consiguió el premio a la mejor película aunque no pudo hacerse con los de director para Harry Beaumont y mejor actriz para Bessie Love. Un triángulo amoroso de vodevil en el que dos hermanas buscan triunfar en Broadway como cantantes y bailarinas entrando en la vida de ambas un productor que les ayudará a poder triunfar. Ese toque naif e inocentón, pero con las coreografías propias del género, para una cinta que insufló moral a unos espectadores afectados por la época de la Gran Depresión.

“El gran Ziegfeld” (1937)

3 Oscar. 7 nominaciones. Uno de esos musicales que fueron todo un fenómeno en su época pero que han caído en el olvido ya que precisamente ese aire melancólico y fabulado le ha hecho envejecer mal; a pesar de tener a un trío en la cresta de la ola en aquellos años como el compuesto por William Powell, Myrna Loy y Luise Rainer, que ganó el Oscar a la mejor actriz cimentando el triunfo de la película que, además del premio gordo, ganó en la ya extinta categoría de mejor coreografía. Tres horas de musical sobre la historia de amor del feriante Ziegfeld con su sacrificada esposa Anna.

“Siguiendo mi camino” (1945)

7 Oscar. 10 nominaciones. Leo McCarey construyó una “buddy movie” musical llena de ternura y sacrificio con la historia de dos sacerdotes en una pequeña parroquia. Todo un fenómeno que le valió el Oscar a Bing Crosby y a Barry Fitzgerald y que también permitió esa rareza (es algo ahora que las normas prohíben) de que Fitzgerald fuera candidato tanto como protagonista y como actor de reparto por el mismo papel, ganando en esta última categoría. También ganó en director, en dos categorías de guión y en la mejor canción. Debido al éxito de la película y del personaje, Crosby retomó su personaje de Padre Chuck O´Malley en “Las campanas de Santa María” que le valdría otra nominación al Oscar tanto para él, para McCarey como director y para una Ingrid Bergman que precisamente el año anterior también había ganado su primer Oscar con “Luz que agoniza”.

“Un americano en París” (1952)

6 Oscar. 8 nominaciones. Los musicales más bienintencionados y algo tontorrones daban paso a una nueva corriente que concebía al musical como espectáculo y que tuvo como máximos representantes a directores como Vincente Minnelli o Stanley Donen, productores como Arthur Freed, actores polifacéticos como Gene Kelly o coreógrafos como Busby Berkeley. La cinta se ambienta en un París que recobra el optimismo y el color tras la Segunda Guerra Mundial centrándose en un pintor americano que intenta ganarse la vida con sus cuadros; conociendo a una millonaria que será su mecenas y a una joven dependienta francesa de la que se enamorará. Una irrupción de magia y grandes números que se aprovechaba del carisma y talento innato de un Gene Kelly que fue algo más que un actor para el género. Por si había dudas, su revolucionario número final encumbró a una cinta que, si bien es irregular en algunos de sus tramos, fue todo un fenómeno que catapultó las carreras de Minnelli (que perdió el Oscar de director frente a George Stevens por “Un lugar en el sol”) y de Gene Kelly (que en su carrera sólo fue nominado por “Levando anclas” en 1946) teniendo, desde ese momento, la industria a sus pies. “Un americano en París” ganó en las categorías de película, guión, fotografía, dirección artística, vestuario y música.

“Gigi” (1959)

9 Oscar. 9 nominaciones. Después de que un año después de “Un americano en París” el considerado mejor musical de todos los tiempos, “Cantando bajo la lluvia”, fracasara en los Oscar con sólo 2 nominaciones sólo se explica por el reciente éxito de la película de Minnelli. La película de Stanley Donen es la que ha coronado finalmente la Historia del cine musical clásico americano pero fue nuevamente Minnelli el que, antes de que acabara la década de los 50, conseguía un nuevo triunfo (todavía más rotundo) por “Gigi”, película que volvía a ambientar en París con Leslie Caron y que ahora se reforzaba con Maurice Chevalier y Louis Jourdan. Una historia de bailes, presentaciones sociales y culto a la clase alta francesa en una película que, vista a día de hoy, sólo puede hacer sonrojar en un año en el que (en verdad) la única de las candidatas con nivel para haberla derrotado era “La gata sobre el tejado de zinc” siendo las otras nominadas “Tía y mamá”, “Fugitivos” y “Mesas separadas”. Ganó los premios de película, director, guión adaptado, fotografía, dirección artística, vestuario, montaje, música y canción. Curiosamente por ninguna de las dos oscarizadas películas de Minnelli ningún actor consiguió candidatura, lo que confirma que el conjunto era la clave más allá de cualquier lucimiento interpretativo con personajes que no dejaban de ser algo arquetípicos; especialmente en esta película que no deja de ser bastante inane.

“West Side Story” (1962)

10 Oscar. 11 nominaciones. El concepto de gran espectáculo se mantiene pero se nota que los tiempos cambian y el musical se llena de nuevos ritmos, mestizaje y provocación con esta versión moderna de Romeo y Julieta entre bandas en las calles de Nueva York. Robert Wise y Jerome Robbins adaptaban el musical creado con la música de Leonard Bernstein y modernizaron la forma de encarar una película como ésta introduciendo elementos como el deseo, la traición, la inmigración o la violencia callejera; alejándose de ese toque optimista que había inundado al género hasta la fecha. “West Side Story” ganó en las categorías de película, director, actor de reparto (George Chakiris), actriz de reparto (Rita Moreno), fotografía, dirección artística, vestuario, montaje, música y sonido.

“My fair lady” (1965)

8 Oscar. 12 nominaciones. Era el año por antonomasia del musical con las nominaciones conseguidas por “My fair lady” y por “Mary Poppins”. Dos musicales que, en cierta manera, cerraban definitivamente el concepto de musical clásico tras ese punto de inflexión que había marcado “West Side Story” y que luego recogerían, salvando las distancias, “Jesucristo Superstar” o “Hair”. Rescatando el mito de Pigmalión, George Cukor (que por fin consiguió su noche de gloria en los Oscar) llenaba de encanto y frescura la adaptación del musical de la florista callejera y malhablada a la que un petulante lingüista pretende hacer pasar, tras sus exigentes clases, por toda una señorita de la clase alta. Casi tres horas de números llenos de chispa con un reparto en estado de gracia encabezado por Audrey Hepburn (doblada finalmente en las canciones y que se hizo con polémica con el papel tras ser Julie Andrews la que interpretara al personaje en las tablas), Rex Harrison (que ganó el Oscar dedicándoselo tanto a Hepburn como a Andrews) y Stanley Holloway (que fue nominado repitiendo al igual que Harrison el papel de Broadway). La cinta se hizo con los premios de película, director, actor, fotografía, dirección artística, vestuario, música y sonido.

“Sonrisas y lágrimas” (1966)

5 Oscar. 10 nominaciones. Cuatro años después de su triunfo con “West Side Story”, Robert Wise volvía a hacerlo con la historia de la familia Von Trapp. Un musical icónico que nos lleva a la Austria previa a la II Guerra Mundial cuando una novicia termina sirviendo como institutriz para los siete hijos de un militar viudo y retirado. El salto definitivo de Julie Andrews, para siempre ya encasillada en musicales de este tipo tras ganar el Oscar por “Mary Poppins” el año anterior, y toda una gozada gracias a las canciones de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que han ido alimentando desde entonces a generación tras generación entonando esas particulares traducciones de las canciones de la película. “Sonrisas y lágrimas” se hizo con los premios a película, director, música, montaje y sonido.

“Oliver” (1969)

5 Oscar. 11 nominaciones. El infravalorado pero eficaz Carol Reed se propuso encarar una de las adaptaciones más vibrantes de la obra de Dickens y es que, si bien la historia de ese pequeño pillastre que escapa de su orfanato en el Londres del siglo XIX ya fue y será más veces llevada al cine, se ganó con derecho propio la catalogación de ser uno de los mejores musicales de todos los tiempos gracias a su gran diseño de producción, la viveza de sus números y la universalidad de una historia inmortal. Para la Historia queda el Fagin de Ron Moody, candidato como actor protagonista, o el caradura de Dodger (Jack Wild) nominado como actor de reparto. La cinta ganó en las categorías de película, director, dirección artística, música y sonido, obteniendo además un premio honorífico por la coreografía de sus números.

“Chicago” (2003)

6 Oscar. 13 nominaciones. Tuvieron que pasar más de tres décadas para que el musical volviera a ganar en los Oscar. Si bien “Moulin Rouge!” fue la que desperezó un género adormecido que se nos había hecho creer que ya no interesaba al público y que, incluso, era considerado “veneno para la taquilla” y, sobre todo, nada rentable para los Estudios. “Moulin Rouge!” quizás se pasó de transgresora y psicotrópica para una Academia que asistió atónita a un experimento que daba la triple pirueta con tirabuzón pero que caía de pie; aunque no supieron apreciar el trabajo del videoclipero y barroco hasta la extenuación Baz Luhrmann dejándole fuera de las candidaturas como director. El año siguiente, ya con el gusto por el musical reavivado, la Academia abrazó sin cortapisas al musical “Chicago”, adaptación que hizo el coreógrafo Rob Marshall y que se metió al público en el bolsillo (en un año en el que competían nada más y nada menos que “Gangs of New York”, “Las horas” y “El pianista”) a base de un eficaz montaje y de la energía de sus protagonistas. Aunque el tiempo haya provocado que se haya desinflado la burbuja que supuso esta película (mientras que el de la película de Luhrmann no ha hecho más que crecer con el paso de los años), no se puede negar que es una gozada ver en acción a Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones, Richard Gere y John C. Reilly. La cinta ganó en las categorías de película, actriz de reparto, dirección artística, vestuario, montaje y sonido.

Nacho Gonzalo