Querido Teo:

Para evadirnos de la realidad es la ocasión ideal para hacer maratones de películas de miedo con amigos, revisitando clásicos o descubriendo las últimas novedades. Recuerdo aquellas programaciones especiales que preparaba el canal TCM para la noche/madrugada del 31 de Octubre al 1 de Noviembre, donde podías descubrir obras maestras de los monstruos de la Universal (“Frankenstein”, “Drácula”); también recuerdo alquilar en el videoclub mis primeros VHS de terror (“Scream”, “Se lo que hicisteis el último verano”, “The faculty”) o descubrir la comunión que se crea en una sala de cine entre los espectadores al acudir juntos a ver títulos de terror en pantalla grande (“Sleepy Hollow”, “El proyecto de la bruja de Blair”). Pero si hubo una película que me marcó a mí y a millones de espectadores de todo el mundo, ese fue “El sexto sentido”, la cinta que nos descubrió a M. Night Shyamalan.

Querido Teo:

Es cierto que, desde nuestra infancia y adolescencia, todos ansiamos vivir una historia de amor como aquellas de las que hemos sido testigos en una sala de cine, leído en un buen libro u oído a través de una canción. Al ser un medio de entretenimiento, la mayoría de esas historias tienen un final feliz. Sin embargo, las historias que suelen impactarnos más o que quedan en nuestra memoria, son aquellas en las que nuestros protagonistas tienen que superar mucho obstáculos y dificultades, y en las que viven situaciones tan reales que los espectadores son capaces de identificarse con ellos y verse reflejados tanto en sus alegrías como en sus desgracias. Si un director y guionista decide unir todos esos componentes en una historia de amor, y llevarla al cine con una pareja protagonista que destila química por los cuatro costados, y una banda sonora inolvidable y reconocible, tienes una película como "Tal como éramos".

Querido Teo:

En una sala de cine, como en la vida, puedes llegar a enamorarte de la película que vas a ver, de la persona que te acompaña en ese momento, de su banda sonora, su reparto, o de alguna de sus escenas. En mi caso pude vivir esa increíble sensación el 13 de Enero de 2017, durante el estreno de la película "La la land". Fue amor a primera vista, y sin anestesia.

Querido primo Teo:

Si en las últimas entregas de sesión de cine-cebolla nos remontamos a los años 40 y 50 con "Casablanca" y "Senderos de gloria", en esta ocasión nos vamos a fijar en una película mucho más reciente. Aunque se estrenara hace tan sólo dos años, "Her" ha tenido el impacto suficiente como para poder ser considerada ya como un nuevo clásico del cine. El autor de la obra no era otro que Spike Jonze, uno de los cineastas más singulares de Hollywood. Su anterior largo había sido la decepcionante "Donde viven los monstruos", y para esta ocasión decidió trabajar por primera vez en su carrera con un guión escrito por él mismo. "Her" fue un enorme éxito de crítica y se convirtió en la primer film de Jonze que logró la nominación al Oscar a la mejor película. El realizador fue ignorado en la categoría de mejor dirección, pero fue recompensado con la estatuilla en la categoría de mejor guión original (en una dura pugna con "La gran estafa americana").

Querido primo Teo:

Ha pasado a la Historia como un director subversivo y provocador, pero en el cine de Stanley Kubrick también había lugar para la emoción. "Senderos de gloria", uno de los mayores alegatos antibelicistas que se han visto en el cine, es probablemente la película con más corazón del director británico. Pero eso no significa que Kubrick dejara pasar la oportunidad de meter el dedo en la yaga, lo que hizo que la cinta no estuviera exenta de polémica (en Francia estuvo prohibida durante dos décadas). Aunque Kubrick ya había demostrado su talento en "Atraco perfecto" (1956), "Senderos de gloria" (dirigida con tan sólo 28 años) marcó un antes y un después en su carrera. Kubrick rodó de una forma tan moderna que vista hoy cuesta creer que sea una película de los años 50, metiendo la cámara en las trincheras de un modo que nunca antes se había visto. Como no podía ser de otra manera, Hollywood puso sus ojos en él, y su siguiente proyecto sería una producción tan ambiciosa como "Espartaco".

Querido primo Teo:

Siempre es un placer recibir en estas líneas a una de las grandes musas del "cine-cebolla". Después de "Los puentes de Madison" y "Kramer contra Kramer", Meryl Streep vuelve a protagonizar nuestra sección con otro de los puntos álgidos de su carrera: "La decisión de Sophie" (1982). Aunque la película dirigida por Alan J. Pakula tiene varios elementos a destacar (la fotografía del español Néstor Almendros o la música de Marvin Hamlisch), el principal motivo por el que "La decisión de Sophie" ha pasado a la Historia es el impresionante trabajo de la actriz más laureada de todos los tiempos. Por este papel, Streep barrió en la temporada de premios. Su interpretación era tan incontestable que la Academia no tuvo otra alternativa que premiarle con el Oscar a la mejor actriz, a pesar de que sólo hacía tres años que había ganado su primera estatuilla (para su tercer premio tuvo que esperar mucho más). Streep estaba bien flanqueada por Peter MacNicol, un actor eminentemente televisivo ("Ally McBeal", "Numbers"), y por Kevin Kline, que debutaba en el cine con este papel.

Querido primo Teo:

Para hablar de "Casablanca" hay que ponerse de pie. Considerada una de las mejores películas de la Historia, "Casablanca" destaca prácticamente por todos sus elementos (dirección, guión, fotografía, música, etc...) que la convierten en una incontestable obra maestra del cine. La historia de amor imposible entre Rick Blaine (Humphrey Bogart) e Ilsa Lund (Ingrid Bergman) fue un éxito instantáneo, y su fama no ha hecho sino acrecentarse con el paso del tiempo conquistando a una generación tras otra. "Casablanca" estaba muy lejos de ser un proyecto ambicioso; Michael Curtiz sólo era un buen artesano contratado por la Warner para hacer películas como churros, Bogart no tenía nada que ver con el estereotipo de galán romántico (el papel de Rick iba a ser para Ronald Reagan), Bergman aún estaba lejos de convertirse en una de las mejores actrices de la Historia, el rodaje fue rápido y caótico, y el guión no dejaba de reescribirse. A pesar de todos los impedimentos, el resultado final fue una película redonda que no tardó en ser reconocida. En la ceremonia de los Oscar de 1943 ganó los 3 premios principales, película, director y guión.

Querido primo Teo:

En Sesión de cine-cebolla estamos de luto. La reciente muerte de James Garner ha hecho que los cinéfilos echen la vista atrás y recuerden los papeles más destacados de la filmografía de este mítico actor. Los aficionados más veteranos recordarán la serie "Maverick" o sus personajes en "La gran evasión" y "¿Víctor o Victoria?", pero para los más jóvenes es inevitable asociar la figura de James Garner a su personaje de "El diario de Noa" (2004). En la película dirigida por Nick Cassavetes, Garner formó junto a Gena Rowlands (madre del director) una pareja inolvidable que entró de forma automática en la Historia del cine romántico. Por este personaje, Garner obtuvo una nominación al SAG y, ese mismo año, el Gremio de Actores le homenajeó con un premio honorífico. Fue su última aparición memorable en la gran pantalla.

Querido primo Teo:

Aunque parezca increíble, ya han pasado casi diez años del último Oscar del cine español. La película que ostenta ese honor es "Mar adentro", la esperadísma cuarta película de Alejandro Amenábar tres años después del pelotazo de "Los otros". Aunque no acanzó las cifras en taquilla de la cinta protagonizada por Nicole Kidman, Amenábar volvió a convencer a crítica y público. A día de hoy, "Mar adentro" sigue estando entre las diez películas nacionales más taquilleras y se la puede considerar como el título español más premiado de la Historia. Al Oscar hay que sumar 14 Goyas (incluyendo todas las categorías interpretativas), los dos premios cosechados en el Festival de Venecia, el Globo de Oro, el Independent Spirit... Amenábar logró tocar la fibra sensible de los espectadores de todo el mundo, tratando un asunto tan delicado como la eutanasia. Y la casualidad quiso que la película se estrenara el mismo año que otra exitosa película que también incidía en ese asunto: "Million dollar baby".

Querido primo Teo:

Era cuestión de tiempo que el neorrealismo italiano hiciera acto de aparición en sesión de cine-cebolla. El movimiento nacido después de la Segunda Guerra Mundial fue extraordinariamente prolífico en escenas dignas de ocupar estas líneas. Encontramos varias muestras de ello en las filmografías de los dos grandes exponentes de esta corriente: Roberto Rossellini (autor de películas tan desgarradoras como "Alemania, año cero" o "Roma, ciudad abierta") y, sobre todo, Vittorio De Sica, director de "El limpiabotas", "Umberto D." o de la película que nos ocupa, "Ladrón de bicicletas" (1948). Estos dos cineastas son considerados los padrinos de un cine muy reconocible (estilo documental, rodaje en exteriores, actores no profesionales...) nacido como consecuencia no sólo de cuestiones logísticas (los estudios Cinecittà estuvieron cerrados varios años por culpa de la guerra), sino también de la necesidad de realizar un cine comprometido socialmente que se acercara a los problemas de la clase más humilde.